EXPOSITION :

La Galerie Mémoires Africaines présente une  exposition consacrée au travail de l’artiste sénégalais Gérard GABAYEN intitulée « For All », à la Maison d’Afrique de Saly du 28 mars au 14 septembre 2025.

L’Art de la Connexion Universelle – L’Engagement Esthétique et Écologique de Gérard Gabayen à travers « For All » :

L’art a toujours été un moyen d’expression puissant, capable de transcender les barrières culturelles et sociales. Dans ce contexte, l’oeuvre de Gérard Gabayen s’impose comme un dialogue visuel et philosophique autour de la nature, de la société et du temps. À travers son exposition « For All », Gabayen ne se contente pas de présenter une collection de tableaux ; il élabore un véritable manifeste artistique et écologique, une invitation à la réflexion sur notre place dans le monde. Cette exposition explore son parcours, son style distinctif, son engagement pour l’environnement et la portée symbolique de son exposition « For All ».

Gérard Gabayen : Un Parcours entre Tradition et Modernité

Né en 1975 à Mbour au Sénégal, Gérard Gabayen s’est formé aux arts plastiques en s’imprégnant de techniques traditionnelles et contemporaines. Après avoir étudié à l’École Nationale des Beaux-Arts de Dakar (1996-1998), il a décidé de tracer son propre chemin, s’affranchissant des carcans académiques pour développer un langage visuel personnel.

Sa carrière est marquée par une volonté de transmission et d’engagement. Exposé dans de nombreuses galeries et institutions, il est reconnu pour sa capacité à allier esthétisme et engagement social. Son travail, loin d’être une simple recherche formelle, s’inscrit dans une démarche de sensibilisation et de partage.

Un Style Unique au Service d’un Message Universel

L’oeuvre de Gabayen se distingue par son approche picturale dynamique et structurée. Ses compositions de grande envergure caractérisées par des coups de pinceau larges et dynamiques, sont marquées par des jeux de contrastes, des formes en mouvement et une palette chromatique vibrante. Elles représentent des compositions harmonieuses délicatement équilibrées.

L’idée directrice de son art repose sur un concept fondamental : chaque tableau est une page d’un livre en perpétuelle écriture. Il ne s’agit pas seulement de représenter, mais de raconter. Ses toiles, souvent abstraites, sont parcourues de signes et de symboles subtils : figures humaines esquissées, silhouettes animales, motifs inspirés de la nature, quelques mots choisis… Par cette approche, Gabayen engage le spectateur dans un processus d’interprétation active, transformant chaque regard en une lecture unique.

Un Engagement Écologique au Coeur de la Création

L’engagement écologique de Gabayen ne se limite pas à l’intégration de matériaux recyclés dans certaine de ses oeuvres, il réside surtout dans le message profond que véhiculent chacune de ses toiles. À travers son art, il alerte sur les dangers qui pèsent sur l’environnement et sur la responsabilité des Hommes dans la destruction des écosystèmes. Ses oeuvres dénoncent la déforestation, la disparition des espèces, l’épuisement des ressources naturelles et la fragilité de la biodiversité.

Les motifs récurrents de ses compositions, sont autant de symboles de cette urgence écologique. Chaque oeuvre devient ainsi une prise de parole artistique, un cri d’alarme visuel qui incite à la prise de conscience. Par son approche, Gabayen nous invite à repenser notre rapport à la nature, à comprendre que notre survie est intimement liée à celle des forêts, des océans et des espèces qui nous entourent.

En parallèle, son engagement se traduit également par l’organisation d’ateliers de sensibilisation à l’écologie à travers l’art, destinés à la jeunesse. Ces initiatives visent à éduquer les nouvelles générations sur l’importance de préserver notre planète et à leur montrer que l’art peut être un outil puissant de mobilisation et de transformation sociale.

« For All » : Un Appel à l’Universalité et à la Connexion

Le titre de l’exposition, « For All », résume à lui seul l’essence du travail de Gabayen. L’artiste nous invite à comprendre que tout est lié : les hommes, les éléments naturels, les objets que nous utilisons et même les souvenirs que nous portons.

Loin d’être une simple démonstration esthétique, « For All » est une proposition conceptuelle où chaque oeuvre devient une fenêtre ouverte sur une réflexion collective. En exposant des pièces qui parlent à tous et intègrent des matériaux issus de divers horizons, Gabayen démontre que l’art est un espace de rencontre et de mémoire partagée.

Dans un monde fragmenté par les crises écologiques et sociales, « For All » est un rappel que l’humanité ne peut avancer qu’ensemble. Par la force de son esthétique et la profondeur de son engagement, Gabayen nous invite à repenser nos liens avec le vivant et avec les autres.

Pour résumer, Gérard Gabayen incarne une vision de l’art qui va au-delà de l’objet esthétique. Par son parcours, son style, son engagement écologique et sa volonté de créer une connexion entre toutes choses, il offre une réflexion profonde sur le rôle de l’artiste dans la société.

« For All » est plus qu’une exposition : c’est un message universel qui rappelle que l’art est un langage commun, un outil de sensibilisation et un moyen de réunir les consciences. Par sa démarche, Gabayen nous invite à repenser notre rapport à l’environnement et à l’autre, prouvant ainsi que l’art, bien plus qu’une simple représentation, est un acte engagé et porteur de transformation.

Alhassane Konté & Moustapha Baidi Oumarou

Restitution de résidence artistique – Maison d’Afrique, Saly Portudal

La Galerie Mémoires Africaines présente Jardin Partagé, exposition de clôture de la première résidence artistique de la Maison d’Afrique. Pendant un mois, deux artistes reconnus de la scène contemporaine africaine, Alhassane Konté (Lass), originaire de Bamako, et Moustapha Baidi Oumarou, du Grand Nord camerounais, ont partagé un temps de création à Saly Portudal qui a été une source d’inspiration particulièrement vive, chacun y trouvant un élan différent.

Ils ont choisi d’explorer un motif commun à leurs œuvres : la fleur, qu’ils abordent chacun avec leur sensibilité propre.
Pour Alhassane Konté, c’est la mer, sa lumière changeante, la plage, les jeux et l’atmosphère de la station balnéaire qui ont nourri sa création.
Pour Moustapha Baidi Oumarou, l’essentiel s’est trouvé dans les rencontres humaines, familiales, amicales ou imprévues, les discussions, les liens tissés au quotidien : un terrain relationnel qui irrigue profondément son œuvre.

Au fil du mois, chacun a développé son travail personnel, mais ils ont également réalisé une grande œuvre commune, véritable fusion de leurs deux techniques et de leurs approches sensibles. Ce syncrétisme inédit révèle la complicité artistique née de cette résidence.

Ils ont aussi porté leur regard sur une œuvre qui fait l’actualité du marché international : le Portrait of Elisabeth Lederer de Gustav Klimt, récemment devenu la deuxième œuvre la plus chère de l’histoire. Leur interprétation à quatre mains réinterroge cette icône sous un angle contemporain, nourri de leurs univers floraux et de leur immersion à Saly.

Jardin Partagé est la première exposition issue d’une résidence conjointe entre Alhassane Konté et Moustapha Baidi Oumarou.
C’est une célébration de la rencontre, de l’inspiration tirée du lieu, et du dialogue fécond entre deux regards qui cultivent ensemble un même terrain : celui de la beauté et du vivant.

Jardin partagé
Une exposition de Alhassane Konté et Moustapha Baidi Oumarou
à La Maison d’Afrique

Les perles en bakélite trouvées en Afrique sont d’origine Européenne de la 1ère moitié du XX° siècle. Sensées imiter l’ambre, les africains se les sont appropriées dans leurs parures.

Le fer noir, en opposition avec le « fer rouge » (cuivre), a longtemps servi de monnaie d’échange. Il était le métal qui avait le plus de valeur car il permettait la fabrication des armes, des outils agricoles et des objets du quotidien.

Diplômée de l’École de l’Image d’Épinal puis de l’École d’Art de Metz en 2010, Delphine Gatinois poursuit depuis un ensemble de travaux photographiques questionnant les liens entre le texte et l’image. Elle fonde sa création entre le réel et un imaginaire mystique puisé dans ses déplacements en Afrique. L’analyse de l’être humain, de ses liens avec la nature, l’animalité, les cultes et les croyances anciennes sont interrogés dans son travail artistique. Delphine Gatinois pense le monde à travers un mythe ; un regard sensible qui se situe toujours vers le mystérieux de la réalité.

Série « PROIE » :

Dans la série « Proies », Delphine travaille avec le principe de la mise en scène. Elle explore entre autre, la fragilité et la porosité de la frontière entre l’homme et l’animal et interroge cette capacité de passer de l’un à l’autre, de l’un dans l’autre. Elle crée des images autour de rites, de sacrifices et réinvente les limites entre réalité et illusion.

Né aux Sables d’Olonne (85), Thierry PROUTEAU vit et travaille à Nantes.

Ancien élève de Serge Daget, historien des traites négrières qui a réveillé l’Université de Nantes au début des années 80, il fait dialoguer les sciences historiques et les pratiques photographiques avec son association Via preciosa

Le Sahara (le plus vaste désert du monde), est une région aride, hostile à la plupart des formes de vie. Cette terre est pourtant l’habitat des Touareg et des Maures, tous descendus des anciens berbères. Il y a un millier d’années environ, ces derniers se sont enfoncés dans le désert afin d’échapper aux Arabes qui envahissaient leurs propriétés fertiles d’Afrique du nord. Les Maures se sont acheminés vers l’ouest, à travers l’immense désert de Mauritanie appelé Shinguit. Ils ont atteint en grande majorité les abords du fleuve Sénégal. Leurs ornements traditionnels ont été marqués par leur association à la population locale négroïde. Les bijoux qui renseignent autant sur leur rang social que sur leur aisance ou leur origine, ont une grande importance pour les Maures, et la plupart des femmes en possèdent une collection personnelle. Ils représentent leur capital et font partie de leur dot. Ils sont fabriqués en argent, « le pur métal béni par le prophète », de préférence à l’or, métal du démon qui a la réputation de porter malheur.La décoration rivetée atteste de son ancienneté. Le bracelet mizam est le bijou de prédilection des Mauritaniennes, il se rencontre dans tout le pays.

Ces tissus décorent l’intérieur de la tente Touareg. Ils sont réalisés en bandes étroites, pointées entre elles, ce qui permet à l’air de passer, tout en obstruant le passage du soleil et du sable.

Provenance: Niger et Mali.

Ces tissus réalisés par les artistes Kuba-Bushoong (République Démocratique du Congo, région du Kasaï) sont fait de fibres végétales (raphia) et sont ornés de motifs géométriques.

On distingue deux types:

• Les longs pagnes à « motifs appliqués ».
• Les carrés réalisés avec la technique du « velours » qui servaient de monnaie.

L’Afrique a une longue tradition textile, où la variété des matériaux se joint à celle des styles rencontrés. Employé comme vêtement, le textile sert aussi de monnaie, il est porteur de messages et objet esthétique.

Ces bracelets proviennent de l’ensemble de l’Afrique de l’Ouest. Les groupes ethniques se fondant entre eux, il est difficile de donner une origine pour chacun de ces bracelets.

Les anneaux que l’on trouve peuvent se porter autour du cou chez les Touaregs, dans les cheveux ou à la taille comme chez les Bassaris du Sénégal.

Ces bijoux, à forte oxydation, sont originaires principalement de la région du Delta Intérieur du fleuve Niger.

La galerie présente une collection d’objets en terre cuite de culture Djenné datant de l’Empire du Mali (XII° – XV° siècle)

La galerie présente une collection d’armes pouvant servir pour les guerres, la chasse ou les rituels.

La galerie présente une collection d’objets en terre cuite de la civilisation Nok.

L’ivoire a été travaillé depuis longtemps, partout en Afrique, principalement en bracelets pour en faire des parures de dignitaires.

Artiste peintre Sénégalais, Mabeye NDIAYE est né en 1984 à Dakar, il est le fils du peintre-sculpteur Djibril NDIAYE. Ses thèmes favoris sont les femmes Sénégalaises dans leurs chatoyants boubous traditionnels. Il utilise la peinture à l’huile, l’acrylique ou encore le collage.

Edoardo Di Muro (1944/2022) est Italien de naissance mais Africain de cœur.

Né en Italie en 1944 et débarqué par hasard au Nigéria en 1973 alors qu’il est dans la marine marchande. Il décide alors de parcourir les terres africaines : le Burkina Faso, l’Angola, l’Afrique du Sud, le Sénégal, la Guinée, le Gabon, le Benin, le Togo, le Nigéria, l’Ethiopie, la Tanzanie. Il y vit l’Afrique des Africains ; travaille comme garde dans une réserve en Côte d’Ivoire ; milite à l’ANC en Afrique du Sud et épouse une Zoulou ; se remarie au Sénégal avec une Bassari qui lui donne trois enfants et dont il adopte la culture.

Durant quarante ans, Edoardo Di Muro dessine l’Afrique. Son œil aiguisé révèle sa parfaite connaissance du Continent. Ses dessins ne se regardent pas comme des œuvres d’art « ordinaires ». Ils s’apprécient grandement aussi pour leur valeur documentaire. On admire le détail architectural des magnifiques maisons « brésiliennes » de Lagos ou des solides bâtisses coloniales de Douala. On s’attarde sur les feuillages des arbres, omniprésents et rendus avec un souci de la précision obsessionnel. Les particularités vestimentaires ne relèvent jamais du hasard ; le motif de tel pagne ou de tel tee-shirt situe précisément le lieu et l’époque du dessin. Les coiffures, les scarifications et autres marques corporelles identifient quant à elles tel peuple de tel pays. Sous la plume d’Edoardo Di Muro, l’Afrique des villes apparaît ainsi avec la variété de ses formes d’habitat, sa diversité ethnique, ses contrastes sociaux. Et aussi avec l’humour et la joie de vivre dont ses habitants ne se départissent jamais.

Il représente ses réalités quotidiennes et ses coutumes, montre dans ses histoires et ses dessins les enjeux de ce continent face à la mondialisation.

De ses croquis, Edoardo finit par composer des recueils :

– Afrique, Editions 5 Continents, 1990

– Afrique capitales, Editions Sépia, 1995

Il publie également deux bandes dessinés :

– Farce en Afrique, Editions Cara Cara , 2016
C’est en 1979 que commence la publication dans Charlie Mensuel de « Farce en Afrique » (Anagramme de FrançAfrique). Un feuilleton de cinq épisodes dans la revue dessinée dirigée à l’époque par Georges Wolinski avec qui Edoardo se liera d’amitié.

– Noir et Blanc en couleurs, Editions Roymodus, 2009
Une bande dessinée qui raconte l’histoire d’un jeune Bassari parti clandestinement en Italie, avant de revenir dans son pays où il découvre véritablement sa culture.

Ses œuvres ont été exposées dans la plupart des centres culturels d’Afrique et du Monde (Tokyo, Huston, Hong-Kong, Stockholm, Munich …). Ses amis Ousmane Sembene et Francis Bebey ainsi que Manu Dibango et le prix Nobel Wole Soyinka ont préfacé ses œuvres.

Œuvres Présentées pour consultation uniquement :
Lithographies offset des années 1980  (50 x 64 cm) :

Ces étuis en métal, appelés tcherot, sont des talismans qui renferment des bouts de papier sur lesquels sont inscrit des versets du Coran ou de vieilles formules magiques.
 Ils sont portés par les hommes et les femmes Touaregs.

Ces fossiles proviennent principalement du Sahara, entre le Mali et le Niger.

Ces minéraux proviennent principalement du Sahara, entre le Mali et le Niger.

Beaucoup d’entre eux restent à identifier, vous pouvez commenter ci-dessous.

Merci.

Sélection de perles du Néolithique Saharien.

La pipe est composée d’un tuyau et d’un fourneau et sert à fumer le tabac. Les fourneaux en terre cuite sont les premiers à avoir été utilisés après ceux en bois.

Chez les nomades du Niger, les jeunes filles portent de grosses chevillères fabriquées par les forgerons dans un lingot de métal et incisées de motifs aux lignes simples et géométriques à l’image de ce peuple noble et altier. 
L’entrave que ces bracelets – qui servent aussi de monnaies – constituent pour la marche est souvent considérée comme un attrait majeur.

La galerie présente une collection d’objets en terre cuite de la civilisation SAO du Tchad.

(X° – XVII° siècle)

Ces colliers sont constitués de perles d’amazonite anciennes et trouvées à travers le Sahara.

Un article d’Henri Lhote de 1978 au sujet des perles en amazonite du Sahara 

Petit appui-nuque en terre cuite gravé de motifs géométriques. La large ouverture circulaire, surmontée de petits trous, évoque un visage. Ces terres cuites sont finement incisées de motifs de surface rappelant les dessins des textiles Kuba.

Les Qua, qui occupaient une zone de la rivière Calabar située dans la région de Cross River au sud-est du Nigéria entre le X° et XI° siècle, font partis des peuples méconnus des anciennes cultures africaines aujourd’hui disparues. Les appui-nuques en terre cuite sont très rares en Afrique, mais sont très courants parmi les céramiques mises à jour du peuple Qua Calabar. Les premières céramiques Qua ont été trouvées lors des excavations pratiquées dans la région de Calabar pour la construction des routes. Ces céramiques nous interpellent par la richesse et l’abstraction de leurs formes ainsi que par leurs couleurs et leurs patines.

Un bijou est un élément de parure corporelle qui peut être porté sur le vêtement, sur le corps ou même dans le corps.

L’artisan qui fabrique des bijoux se nomme bijoutier, celui-ci va mettre en valeur le métal.

Cheikh Oumar Sall, dit El Hadji Sall, est né à Thiès en 1987. Très tôt, il manifeste une passion pour le dessin et les couleurs, et en 2008 il suit une formation auprès de la Galerie Masaï de Thiès, où il affine ses techniques et se construit un regard propre. Dès lors, il s’engage sur la voie de l’artiste indépendant, multipliant les expositions au Sénégal, en Mauritanie et en France. Son travail oscille entre simplicité, caricature et bande dessinée : ses œuvres offrent un mélange à la fois ludique et critique, où l’humour sert de porte d’entrée pour observer la société. Il scrute ses contemporains — leurs gestes, leurs routines, leurs contradictions — avec une acuité qui va bien au-delà de la simple naïveté, ce regard parfois impitoyable révélant charmes et travers. Les couleurs d’El Hadji Sall sont vibrantes, vitaminées, et son trait rapide, parfois impulsif, donnant à ses œuvres une énergie palpable. Il joue sur les aplats, les formes simples ou complexes, les motifs tortueux, les scènes de vie quotidienne. On y trouve les femmes au travail, les enfants, les mères cuisant, les familles autour de petits gestes ordinaires. Malgré une apparence de spontanéité, ses compositions témoignent d’un long travail intérieur : maturation de l’idée, reprise des traits, insatisfaction permanente qui le pousse toujours à recommencer, à peaufiner, à explorer. Son style, une fois trouvé, n’enferme pas : il sait aussi déplacer, surprendre, aller vers des scènes parfois plus dures — notamment des enfants de la rue — sans renoncer à son ton, ni à sa vivacité. Son art nous invite à sourire, à réfléchir, à être interpellés. En jouant avec ce qu’on attend de l’“art naïf”, El Hadji Sall transforme l’innocence supposée en puissance de regard. Grâce à cette liberté, il parvient à créer des œuvres qui charment et dérangent, nous donnent envie d’en voir toujours plus.

Moustapha Sène, dit Tapha Sène, est né en 1953 à Saint-Louis du Sénégal. Après une jeunesse marquée par la richesse culturelle de cette ville, il quitte son pays pour s’installer au Togo, où il séjourne pendant dix-sept ans. Cette longue période hors de ses terres d’origine lui permet d’élargir son regard sur les formes et les rituels artistiques d’Afrique de l’Ouest, notamment à travers des séjours au Bénin et au Nigeria. C’est au contact de ces cultures diverses — Yoruba, Fon ou Éwé — qu’il développe une sensibilité singulière à la parure, aux tissus et à la symbolique des motifs. De retour au Sénégal, dans l’intimité de sa chambre transformée en atelier, il invente un langage plastique personnel, nourri de ses expériences et de son imaginaire spirituel. L’artiste, autodidacte et profondément enraciné dans les traditions africaines, se place à la croisée du geste rituel et de la création contemporaine.

Son style, foisonnant et vibrant, se distingue par l’emploi de matériaux textiles — broderies, perles, paillettes et fragments de tissu — qui évoquent la richesse ornementale des boubous sénégalais et des costumes de cérémonie Yoruba. Tapha Sène assemble ces éléments avec minutie pour créer des compositions d’une densité exceptionnelle, où chaque détail semble animé d’une énergie propre. Son œuvre Le Guérisseur incarne parfaitement cette démarche. Dans une composition dense et lumineuse, le guérisseur apparaît au centre, trônant sur un siège orné, entouré de ses attributs rituels et de figures en mouvement. Autour de lui, les cases symbolisent les espaces où les malades viennent se retirer pour recevoir soins et protection. La scène, animée de danses et de musiciens, évoque les rituels de guérison africains où le corps, la musique et la spiritualité s’unissent. Tapha Sène déploie ici tout son savoir-faire d’assembleur et de coloriste : chaque fragment de tissu, chaque éclat de verre ou de perle participe à une narration vibrante. Son travail, proche de la figuration libre des années 1980 (Di Rosa, Combas, Boisrond), s’en distingue par une dimension mystique et africaine affirmée. Entre célébration et exorcisme, Le Guérisseur est une œuvre monumentale, à la fois textile et picturale, où la matière devient lumière et où la création prend des allures de rituel de renaissance.

Le siège en Afrique peut avoir de nombreuses formes et de multiples usages. Simple tabouret de tous les jours à trois ou quatre pieds ou trône royal avec dossier et accoudoirs.

Coiffe de cérémonie TOUAREG du Niger.

Traditionnellement, lors des cérémonies, les femmes Touaregs cousent leurs bijoux sur leurs tresses.

Pour une mise en place plus rapide, elles ont créé une structure en fil sur laquelle sont rapportés ces bijoux composés d’anneaux en argent, de tanfouk en agate, de perles et de coquillages.

Bara Ndaw est un peintre sénégalais né en 1959 et disparu prématurément en 2020. Figure discrète mais essentielle de la scène artistique de la Petite Côte, il a vécu et travaillé à Saly, où il a marqué plusieurs générations d’artistes par sa présence chaleureuse et sa manière unique de peindre la matière. Très diffusé au Sénégal et à l’étranger, il a participé à faire connaître une peinture profondément enracinée dans la culture africaine, tout en développant un langage plastique singulier. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections particulières et ont souvent circulé sur le marché de l’art international, notamment grâce à leur forte identité visuelle et leur puissance expressive.

Artiste d’atelier mais aussi homme de rencontre, Bara Ndaw s’est nourri des scènes de vie locales, des récits et des symboles des traditions ouest-africaines. Il peignait pour dire la beauté du quotidien, les liens communautaires, la mémoire des ancêtres et le souffle spirituel du monde rural sénégalais. Son œuvre témoigne d’un profond attachement à son environnement : les marchés, les conteurs, les figures mythiques ou les silhouettes de la savane s’y côtoient dans un dialogue constant entre le réel et le surnaturel.

Sa technique, qu’il a lui-même façonnée, repose sur un travail de la matière avant la couleur. Bara Ndaw appliquait sur la toile une pâte épaisse, presque sculptée, qu’il façonnait directement du bout des doigts ou à la spatule avant qu’elle ne sèche. C’est dans cette matière encore souple qu’il dessinait ses figures et leur donnait vie. Ce n’est qu’ensuite qu’il venait rehausser la surface de couleurs chaudes : ocres, rouges, ors et verts terreux, qui confèrent à ses tableaux une vibration lumineuse et une chaleur humaine très particulières.

Peintre de la matière et du symbole, il laisse une œuvre sincère, profondément enracinée dans la terre sénégalaise et ouverte à l’universel. Sa disparition prématurée a interrompu une recherche picturale d’une rare originalité, mais sa peinture continue de rayonner, à l’image de la lumière de la Petite Côte qu’il n’a jamais cessé de célébrer.

Les Wodaabe (singulier Boɗaaɗo) sont un sous-groupe du peuple Peul. On les désigne parfois sous le nom de Bororos. Les Bororos sont traditionnellement des éleveurs nomades et des marchands. Les Wodaabe du Niger sont réputés pour leur beauté (aussi bien les hommes que les femmes), leur artisanat élaboré et leurs riches cérémonies.

Une fois l’an, à la fin de la saison des pluies, aux portes du désert près d’Agadez, durant six jours et six nuits les Wodaabe du Niger fêtent le Geerewol. Chaque clan familial, représenté par ses plus beaux danseurs, s’affronte dans un concours de beauté pour hommes dont le jury est constitué par les plus belles filles de la tribu. Leur tenue est constituée de fines  bandes de coton teintées à l’indigo, cousues entres elles et brodées au point de chaînette de motifs géométriques.

Les régalia sont un ensemble d’objets symboliques de royauté. Chaque royauté a ses propres régalia qui ont une histoire souvent légendaire. Ils sont conservés précieusement comme des trésors. Les Akan, du Ghana ou de la Côte d’Ivoire, possèdent, entre autres, les « chasse-mouches » formés de crin de cheval embouti sur un manche de bois gravé et doré à la feuille d’or.

Landing Diémé est né en 1981 à Pikine dans la banlieue de Dakar. Il est un artiste influencé par le travail de son maître, Khalifa Gueye (né en 1945). Peintre allant de l’abstraction pure à la figuration stylisée, ses couleurs chaudes et froides éblouissent ceux qui les regardes.

Yves BADIETTE est né en 1975. C’est un artiste Mancagne, originaire de Casamance, au sud du Sénégal. Il sculpte le teck massif pour en faire des « arbres de vie », symbole de l’unité et de la continuité du lignage.

Kara Fall est un artiste plasticien né en 1971 basé au Sénégal et d’origine dogon (Mali). Son œuvre mêle peinture, installation et musique dans une démarche profondément multidisciplinaire. À la croisée des arts visuels et sonores, il explore les relations entre les formes, les rythmes et les récits, au service d’une expression libre et puissamment évocatrice.
Nourri par l’héritage spirituel et esthétique de la culture dogon, Kara Fall développe une œuvre empreinte de symboles, de métaphores et de mythes revisités. Ses compositions, souvent éclatées, superposent textures, signes et silhouettes, dans un langage plastique qui évoque autant la mémoire collective que les interrogations contemporaines.
Peintre avant tout, il travaille aussi l’espace avec des installations qui prolongent ses recherches sur les énergies invisibles, la mémoire rituelle et l’identité fragmentée. Son univers est traversé par des références musicales constantes — il est lui-même musicien, passionné de jazz, admirateur de Fela Kuti, dont l’esprit contestataire et libérateur résonne dans sa démarche.
Chez Kara Fall, la peinture devient rythme, la toile devient scène, et l’œuvre une forme de transe visuelle. Son travail a été exposé dans plusieurs galeries au Sénégal et à l’étranger, où il est reconnu pour sa capacité à fusionner disciplines, influences et sensibilités dans une esthétique à la fois vibrante et engagée.
Artiste libre, Kara Fall revendique une création sans frontières, au service de la pensée, de l’émotion et du dialogue des culture.

Jean-Marie Bruce est né en juin 1965 à Mbour, au Sénégal.
Il  a suivi la formation de l’École Nationale des Arts de Dakar, section expression artistique, de 1988 à 1992. Depuis cette date, Jean-Marie Bruce travaille dans son atelier Mbourois  “La Résidence Tripano” et accueille depuis trente-cinq ans des stages, workshop et rencontres internationales autour des arts visuels. Il participe à des expositions nationales et internationales, affirmant sa place dans le paysage de l’art contemporain africain. Ainsi en 1996, il a été sélectionné dans l’exposition officielle de la Biennale d’art Contemporain, Dak’Art, qui s’est tenue au Musée Théodore Monod de l’IFAN. En 2009, il a été choisi pour participer à l’exposition intitulée « Sénégal, Collections privées » organisée à la Galerie Le Manège de l’Institut Français de Dakar. Jean-Marie Bruce est membre fondateur du Collectif d’artistes sénégalais « Huit Facettes-Interaction » avec les artistes Kan-Si, Fodé Camara, El Sy, Serigne Mbaye Camara, Moustafa Dimé, Abdoulaye Ndoye et Cheikh Niass. Le travail de ce Collectif « Huit Facettes » a été sélectionné en 2002 par le curateur Okwui Enwezor pour être présenté à la Documenta 11 de Kassel, en Allemagne.
Connu pour son travail multidisciplinaire mêlant peinture, sculpture et installation. Il explore des thématiques liées à l’identité, la mémoire, la spiritualité et les enjeux sociétaux contemporains. Son œuvre se caractérise par une forte dimension symbolique et un recours fréquent à des matériaux récupérés ou naturels, dans une démarche à la fois esthétique et critique, dans une Afrique en mutation.

La série L’HOMME, L’ETRE ET SON OMBRE présente des ombres travaillées sur de la tôle rouillée. Jean-Marie Bruce explore dans son oeuvre la potentialité des matériaux de récupération et leur rapport à l’environnement. Des tôles rouillées par les effets du temps. Le professeur et écrivain Umar Sall donne son point de vue sur les œuvres de Bruce : « Dans ses ateliers, l’artiste Jeannot Bruce se prête à un subtil et implacable jeu avec le temps. Ça mouille et ça rouille entre fortes averses et rayons ardents. L’artiste guette alors avec vigilance les temps d’intervention sur la tôle… Chez lui, l’identification « biométrique » est sans faille… Tous les « boys y passent »

Dans sa dernière période, Bruce développe un travail poignant à partir de bois flottés et de fragments de pirogues, qu’il assemble sur des panneaux dans des compositions dynamiques aux jeux de tons subtils. Intitulée Aller sans retour, cette série évoque de manière poétique et douloureuse le destin des jeunes migrants qui tentent la traversée de l’Atlantique. Ces bois rejetés par la mer, vestiges d’embarcations perdues, deviennent chez lui les témoins silencieux d’histoires brisées et d’espoirs engloutis. Par ce travail, Bruce confère à la matière une mémoire, transformant les débris en récits visuels puissants, entre hommage, dénonciation et méditation.

Ces bracelets de cheville sont en alliage cuivreux obtenus par la technique de la cire perdue. Ils étaient un élément d’identité en Côte d’Ivoire. Parfois très lourds et très encombrants, ils sont toujours des objets esthétiques contribuant à affirmer le prestige du porteur mais aussi à éloigner de lui les puissances maléfiques. Ils pouvaient également servir de monnaie. Autrefois les jeunes filles nubiles les portaient en permanence. Une fois mariées elles ne les portaient que pour les grandes occasions, (funérailles, naissances…) Selon le degré de décoration de l’objet, l’utilisation allait du quotidien aux grandes occasions, pour devenir un objet de prestige.

Ces meules sont dites « dormantes », c’est la partie qui reste immobile pendant l’opération de mouture et qui se trouve généralement en position inférieure, l’homme actionne alors une « molette ». Ce terme de meule dormante, s’oppose à meule courante ou meule mobile qui, comme son nom l’indique, est animée d’un mouvement à la surface de la précédente.

Les meules du Sahara présentent plusieurs types. celles en forme de demi-amandes à surface de travail bombée, qui semblent avoir été destinées à l’exportation, d’après leur nombre, et les meules en formes d’enclumes au socle épais subconique sont propres au Ténéré. Les formes elliptiques et épaisses, plus répandues, devaient appartenir à des sédentaires ou à des semi-sédentaires revenant périodiquement dans les mêmes habitats. Les pièces ellipsoïdes portant deux encoches, latérales, qui leur donnent l’apparence de boite à violon, semblent avoir été destinées au transport par des bêtes de sommes, bœufs ou ânes. Enfin, il existe de grandes meules carénées et évidées, travaillées sur les deux faces, de transport aisé malgré leurs dimensions. Destinées à des nomades, elles devaient être calées dans le sol pour l’emploi. (extrait de : « Grands outils de pierre polie du Sahara nigéro-tchadien », P. Huard,, J.-M. Massip, Bruna-Rosso. Bulletin de la Société préhistorique française. Année 1968)

Bernard Mens est né à Orléans (Fr) en 1955 où son enfance fut imprégnée de l’odeur de la térébenthine, son père étant peintre (du dimanche).

1971-1972 : années underground – Voyages, croquis.

1973 : il achète ses premières couleurs et commence à peindre influencé dans un  premier temps par les surréalistes avec une tendance psychédélique. Autodidacte, il étudie la peinture à l’huile à travers les ouvrages anciens achetés chez les bouquinistes. Il est attiré par la technique flamande et a le vernis dans le sang.

1986 : après un voyage en Inde, il s’installe à Rabat au Maroc, malgré des difficultés, il paie son loyer en tableaux.

1987 : départ pour Casablanca où il rencontre Tallal, Chaibia et les artistes de l’époque autour de la galerie Alifba. Il commence à vendre ses tableaux et réalise des portraits sur commande.

1991 : il s’installe à Marrakech. L’arrivée des galeristes et de la tendance artistique a permis d’oxygéner l’atelier du peintre. Une première exposition à lieu à Dar Cherifa en 2001, puis chez Design and Co.

2017 : installation au Sénégal.

Diatta Seck (Sénégal, 1953/2015) est une figure marquante de l’art contemporain sénégalais, rattachée à la prestigieuse École de Dakar, mouvement artistique post-indépendance initié dans les années 1960 autour du président Léopold Sédar Senghor et de l’École des Arts de Dakar. Cette génération d’artistes a contribué à définir une esthétique africaine moderne, enracinée dans les traditions culturelles locales tout en dialoguant avec les courants artistiques internationaux.

Diatta Seck s’inscrit dans cette dynamique par une œuvre profondément symbolique, nourrie des mythes, des croyances et des formes propres à l’Afrique de l’Ouest. Ses toiles se distinguent par une palette chaleureuse et terrienne, un dessin souvent stylisé, et un souci constant de transmettre une mémoire, un langage visuel qui relie l’individuel au collectif. Inspiré par les récits ancestraux, les rythmes de la vie quotidienne et les luttes sociales, Seck construit une œuvre engagée, à la fois poétique et politique.

Son travail reflète les grands enjeux portés par l’École de Dakar : réhabilitation des valeurs culturelles africaines, affirmation d’une identité visuelle propre, et exploration d’un art au service de l’humain. À travers ses peintures, Diatta Seck célèbre l’héritage africain tout en questionnant son évolution dans un monde en perpétuel changement.

Présenté dans plusieurs expositions nationales et internationales, l’artiste est reconnu pour la force narrative de ses compositions et pour sa contribution significative à la reconnaissance de l’art sénégalais sur la scène mondiale.

L’Ordre National du Lion, est une décoration sénégalaise, fondé le 22 octobre 1960, année où le Sénégal a obtenu son indépendance.

Plus haute distinction sénégalaise, l’ordre distingue en temps de paix, 15 ans de services civils ou militaires, ou 20 ans d’activités professionnelles.

Le président de la République du Sénégal est, de droit, grand-maître de l’ordre. Depuis 2012, le grand chancelier est le général Ousmane Ibrahima Sall

L’ordre se compose des classes de mérite suivantes :

• Grand-Croix
• Grand Officier
• Commandeur
• Officier
• Chevalier

La classe spéciale grand-croix avec collier peut être concédée seulement aux autres chefs d’État étrangers en signe d’amitié.

« WHITE AFRICANS AND BLACK » par Caroline SINGER et Cyrus Le Roy BALDRIDGE,

Illustré de 6 planches couleurs et de 26 en camaïeu de bruns.

Editions W. W. NORTON & COMPAGNY, INC – NEW YORK, 1929

In-folio sur papier vergé.

Imprimé par WILLIAM EDWIN RUDGE, Inc.

Zico est un bronzier burkinabé installé au Sénégal. Il maîtrise à lui seul toutes les étapes de la fonte à la cire perdue : du modelage de la cire à la patine finale, en passant par le moulage et la fonte du bronze en fusion.

Sélection d’outils en pierre polie du Néolithique Saharien.

Collection de colliers de perles, montrant la diversité et la richesse des perles qui les composent. Datant de l’époque romaine aux années 1970…

Né en 1958 dans la Médina, un quartier populaire de Dakar, Fodé Camara est un peintre sénégalais contemporain. On le rattache à la deuxième génération issue de l’«École de Dakar». Il est diplômé de l’École Nationale des Beaux-Arts de Dakar, puis de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Il a su, avec un grand talent, jongler avec ses divers influences sans pour autant occulter sa propre culture, son passé et ses racines. Il est choisi en 1989 pour représenter les peintres africains au Musée des Arts d’Afrique et d’Océanie à Paris, pour l’exposition ”Révolution Française sous les Tropiques”. Il participe à la première Biennale de Dakar en 1992 et à la Documenta de Kassel en 2002.

Seshie Kossi est né en 1979 au Gabon, d’un père ghanéen et d’une mère togolaise.

Seshie Kossi peint intuitivement par terre, uniquement avec ses mains. L’abstraction comme forme picturale lui permet de traduire de façon spirituelle, mystérieuse et souvent inattendue ses thèmes de prédilection : la nature et la tradition,  le matériel et l’immatériel. Bien que représentées sous des formes abstraites, on y perçoit l’élégance du message véhiculé sous ces silhouettes dissimulées. Ses toiles sont le fruit de matériaux naturels avec un mélange de latérite et de peinture. Une technique de travail dont lui seul a le secret.

Seshie Kossi vit et travaille au Togo.

Le bât est un aménagement technique pour permettre le transport de matériaux sur le dos du dromadaire. Nous présentons ici un des quatre pieds d’un bât Touareg de Mauritanie. En bois finement ciselé de motifs géométriques.

Djibril Ndiaye est un artiste sénégalais (1945 – 2017). Il rentre en 1964 à l’École Nationale des Beaux-Arts de Dakar (ENBA), en section sculpture (anatomie/histoire de l’art/perspective). Il y obtient un diplôme de sculpteur en 1970.
Entre 1972 et 1996, Ndiaye a été successivement professeur de dessin à l’école Maurice-Guèye, à Dakar, formateur en sculpture à l’Ecole nationale des Beaux-Arts et à l’École Normale Supérieure d’Éducation Artistique (ENSEA) de Dakar, chef du département art de l’ENBA, tout en développant son travail personnel et en effectuant des voyages d’études en Afrique et dans le monde.

Il s’est attaché, dans sa démarche, à compléter sa formation académique en s’intéressant aux techniques de l’artisanat local. Sculpteur et peintre, Djibril Ndiaye réalise des installations et se démarque très vite de ses contemporains en créant des œuvres composées de matériaux à première vue incompatibles. Sa démarche s’inscrit dans le courant de la ‘sculpeinture’, qui fait cohabiter dans l’harmonie ou dans la confrontation et au sein d’une même création plusieurs supports : fil, corde, bois, pagne tissé… Pour l’artiste, la sculpture ne se résume pas à la ronde bosse, à la taille, elle est assemblage de matériaux par un système de ligatures, d’attaches et de collage.

Le parcours de Djibril est riche de nombreuses participations à des salons, expositions et d’autres manifestations culturelles. Exposition d’art à Montréal, au Canada (1966), contribution à l’exposition culturelle des Jeux Olympiques (JO) de Mexico (1967), etc.
Ndiaye a contribué à la Semaine de l’école et de la culture, au Centre culturel français de Dakar (1968), à la Semaine de l’Ecole nationale des arts, au Théâtre national Daniel-Sorano de Dakar et au premier Festival panafricain d’Alger (1969). Il a aussi participé à l’exposition « Dix ans d’art sénégalais », à Stockholm (1970), à la Biennale des jeunes, à Paris (1971), au deuxième Salon des artistes sénégalais, à Dakar (1972), à l’Exposition universelle de Séville, en Espagne (1992), et au cinquième Salon des artistes sénégalais, à Dakar (1992).
Depuis 1992, chacune des éditions de la Biennale de l’art africain contemporain de Dakar (Dak’Art) a accueilli ses œuvres. Ces dernières années (2010-2015), Djibril Ndiaye a essentiellement exposé à la Galerie Léopold-Sédar-Senghor du Village des arts de Dakar, dans le cadre du « Off » du Dak’Art.

Il a reçu des commandes de décors pour le Théâtre national Daniel-Sorano de Dakar, pour la mise en scène de « Tête d’Or » de Paul Claudel, des « Bouts de bois de Dieu » d’Ousmane Sembène, et la partie sculpture des décors du film « Les caprices d’un fleuve » de Bernard Giraudeau.

Lauréat du Grand Prix du président de la République pour les arts, en 1991, Djibril Ndiaye était aussi Chevalier de l’Ordre national du Lion depuis 1999.

Ces sculptures appartiennent à la série Tapaat, dont l’œuvre Tapaat II reçut le Grand Prix du Président de la République pour les Arts en 1991, sous la présidence de Abdou Diouf.
Le terme « Tapaat » renvoie aux idées de réparation et de raccommodage : un principe que l’artiste traduit plastiquement par l’assemblage de pièces de bois reliées par des cordelettes et des éléments métalliques, créant un réseau de tensions et d’équilibres. Par ce langage sculptural fondé sur la recomposition et la mutation de la matière, Djibril Ndiaye développe une œuvre qui dialogue librement avec les héritages plastiques africains et notamment avec certaines références négro-pharaoniques : comme sur les parois des mastabas de l’Égypte ancienne, le bas-relief devient ici un espace intermédiaire entre architecture et image.
Ces œuvres s’inscrivent pleinement dans cette recherche et témoignent de la manière dont l’artiste réinterprète les formes et les rythmes de la grande tradition sculpturale africaine dans une écriture résolument moderne : Le « parallélisme asymétrique » l’esprit de la pensée esthétique du président Léopold Sédar Senghor où les formes se répondent sans se répéter.

Olivier LIEGENT est né en 1952 à Lille. Artiste se partageant entre la France, le Sénégal et les Etats-Unis, Olivier LIEGENT est un plasticien minimaliste aux travaux médités et a créé ces derniers années dans divers disciplines (peinture, sculpture, installation, performance). On peut parler de ses sculptures en tôle plié aux allures de mobilier, ces Linving Paintings (assemblage de peintures monochrome pour en faire des tables, des chaises, voir même des tableaux !), son travail photo aux interférences visuelles obtenues aléatoirement par procédé informatique. Egalement, l’édition de deux livres dessinés où se mêlent réflexion et poésie. Il a collaboré entre autre avec Matali Crasset, Wang Du, Jacques Villéglé, Alain Séchas, Ben, Pascal Bernier, François Morellet, Claude Closky. Aujourd’hui au Sénégal, il nous présente ses totems, pièces uniques réalisées sur place en acier. Aux formes d’arbre-flamme, ce sont des sculptures où l’on peut voir plus que ce qui nous est montré…et procure aux personnes les regardant avec attention toutes les sensations et émotions que l’on est en droit d’attendre de chefs d’œuvre.

Publications :

• Lundi Quelque Part Dans l’Infini, ed. La lucarne des ecrivains

Bibliographie :

• La peinture monochrome, D. Riout, ed. Gallimard
• Le design mode d’emploi, E. Vedrenne, ed. Fillipachi

Et le Ciel, dans tout ça ?
L’atelier d’Olivier Liégent (extrait) par Claire Peillod

… Il produit aujourd’hui en Afrique des sculptures où l’on retrouve le trait aux angles pointus des dessins-poèmes et les arabesques végétales des peintures aléatoires, découpées dans la tôle d’aluminium laquée monochrome des meubles-sculptures.

Ces œuvres récentes attestent d’une maturité du style pour quelqu’un qui a cherché dans des directions multiples, toujours inattendues, et qui se trouvent réunies en un vocabulaire personnel reconnaissable. Et cela aussi me fait penser au célèbre artiste espagnol …

La Peinture Sous Verre est pratiquement la première technique de peinture, initiée au Sénégal, bien avant l’avènement des supports académiques. Elle a ses origines en Orient. Elle s’est développée avec la pénétration Islamique, par les arabes venus diffusés la religion et faire du commerce, ainsi que les premiers pèlerins sénégalais. C’est pourquoi au début, l’influence Arabo-musulmane était prépondérante. Progressivement, les Artistes feront appel à leur imagination créatrice. Des scènes de l’histoire du Sénégal et de la vie courante apparaissent, avec un côté éducatif, humoristique voire satirique.
Sur le plan plastique, nous pouvons à titre indicatif, les distribuer en trois courants principaux :
1 – LES TRADITIONNALISTES OU PRECURSEURS
Leur approche est totalement basée sur un style dit « Naïf » dans la pure tradition, ils nous replongent sans cesse dans le passé du Sénégalais. Se sont les gardiens de la Tradition. Un hommage particulier doit être rendu à Gora M’Bengue, disparu en 1988. Les trois autres monuments de la tradition sont ; Babacar Lô, Mor Gueye, Issa Sall. Beaucoup de Peintres sous verre de la nouvelle génération, sont passés par leur école, l’école de la Tradition Populaire.
2 – LES NOVATEURS
Ils restent dans la tradition au niveau de l’approche picturale, en y apportant beaucoup d’innovations ; Une recherche et emploi des couleurs plus poussés, plus de finesse dans le dessin, création de thèmes plus actuels et décoratifs…etc. Ces Peintres sont plus jeunes que ceux de la catégorie précédente. Birahim Fall M’bida (1949 – 2012) est incontestablement, le doyen de cette catégorie. Il est l’initiateur d’une nouvelle école. Son influence sur la nouvelle génération est très grande.
3 – LES MODERNISTES
Ils sont en totale rupture avec la forme traditionnelle, et constitue un groupe éclectique. Pour eux le verre est un support comme les autres. Nous y trouvons beaucoup d’approches de la peinture moderne, du figuratif à l’abstrait. Certains ont reçu une formation académique. Bien que n’étant pas représentative de la Peinture sous verre Traditionnelle, cette catégorie ne peut être ignorée. Il y a Serigne N’Diaye, peintre, chercheur et pédagogue, son approche originale et ses diverses initiatives, ont été d’un grand apport à cette mouvance. Ainsi que Germaine Anta Gaye, peintre et professeur d’Art, dont la grande sensibilité toute féminine, nous montre la sensualité et générosité du verre.

Ces perles, appelées Akoso et Bodom, sont crées au Ghana à partir de verre européen recyclé et réduit en poudre fine. La poudre est ensuite placée dans un moule et cuite dans des fours à l’air libre jusqu’à ce que le verre soit fondu. Elles ont généralement une couche externe jaune recouvrant un noyau gris foncé. Elles arborent souvent des motifs cruciformes.
Les méthodes de fabrication de ces perles sont maintenant oubliées et ne sont plus pratiquées par les fabricants de perles actuels du Ghana.
En Afrique et en particulier au Ghana, ces perles sont tenues en haute estime et ne sont généralement portées que pour les célébrations. Les Asante et les Ewe croient que ces perles, une fois enterrées, ont le pouvoir surnaturel de se multiplier et de protéger leurs propriétaires.

Né le 28 octobre 1994 dans la ville de Buyo (au Sud-Ouest de Côte d’Ivoire), Mounou Désiré Koffi utilise pour créer ses oeuvres des anciens claviers de téléphones. Il les démonte, les découpe et les assemble. Il utilise en moyenne 150 téléphones par œuvre. L’œuvre de Mounou Désiré Koffi se veut une critique de la société de consommation où le temps de vie d’un objet est équivalent à celle d’une batterie de smartphone et veut responsabiliser le consommateur sur l’empreinte qu’il laisse sur la planète. Ses images expriment la plupart du temps les difficultés que rencontre la société africaine. Les enfants y tiennent une part importante avec des thèmes comme la délinquance et la criminalité de mineurs. Mais d’autres toiles mettent simplement en avant l’espoir, la joie de vivre, le quotidien.

Lot de 31 perles (158 gr.) en ambre naturel provenants du Mali et de la Mauritanie.

Alexander TADESSE BELAINEH est né à Addis Abeba en 1983. Diplômé de la Alle School of Fine Arts and Design de l’Université d’Addis-Abeba, il s’est ensuite spécialisé dans la peinture à l’Entoto polytechnic college of fine arts où il obtiendra son diplôme. Sa formation a contribué au développement de ses techniques (peinture, graphisme et animation) et de ses compétences accadémiques qui lui permettent aujourd’hui de mettre en avant son point de vue en tant qu’artiste. Vivant en Afrique et parcourant le monde, la diversité des cultures, des religions et des langues rencontrées, l’ont aidé artistiquement à observer et à capturer la couleur de l’harmonie et tout ce que la diversité apporte. Ses œuvres parlent de la beauté qui existe dans notre environnement à travers les couleurs et la connexion que chacun de nous a les uns avec les autres dans un monde en évolution rapide. Chaque oeuvre est un moment de vie capturé dans un instant immobile.

Mamady Seydi est né en 1970 à Dakar. Il est formé à la communication graphique à l’École des Beaux-Arts de Dakar. Il développe depuis 1998 des projets artistiques axés sur la sculpture. Lauréat, lors de la biennale 2000 à Dakar, du prix de l’Agence intergouvernementale de la Francophonie. C’est en 2006 que Mamady a commencé à s’intéresser à la plastique animalière. L’animal est surtout un prétexte pour illustrer ce qui naguère était du registre oral exclusif : les contes et les proverbes. Dans ce sillage, l’animal grossit les traits de l’humain et fait passer le message de la clairvoyance, de la moralité à plusieurs niveaux de compréhension. Le conte a une vertu didactique. Le message porté par l’histoire narré associe nos propres travers à l’animalité. « En chaque être humain sommeille une bête qui peut se réveiller dans des circonstances singulières ». C’est cette troublante ambivalence  qui caractérise les sujets hybrides que montrent ses sculptures. Au demeurant, l’animal n’est pas toujours le prétexte à une illustration de la face obscure de l’homme. Il peut revêtir un caractère sacré dans l’iconographie spirituelle. Mamady modélise ainsi des animaux qui deviennent souvent hybrides pour illustrer des proverbes. Sa sculpture tient un discours d’éveil porté par les proverbes mais également les sentences modernes. Son bestiaire est un prétexte pour tenir un discours récurrent de dénonciation de la bêtise humaine. Ses bêtes nous présentent la société et ses tares en miroir. L’homme est un être déchu qui porte ses faiblesses et ses bassesses. L’artiste accentue cette face obscure afin de mieux les mettre en évidence. Un discours de dénonciation génère toujours son pendant positif érigé en exemple. Mamady a le sens de l’énigme. Il pousse au dépassement parfois déroutant du sens premier. Son œuvre se prête à un faisceau d’interprétations.

Extrait du texte Homme et Animal, collection Blachére 2003/2013 de Massamba Mbaye , Critique d’art, membre de l’association internationale des critiques d’art ( AICA ), Dakar Sénégal.

Dans la région de Ségou, au Mali, existe une tradition ancestrale : le théâtre de marionnettes. Elles sortent lors du SOGOBO, réjouissance populaire, dans les villages du Mali. Cette fête est bien plus qu’un simple spectacle de marionnettes, d’autres arts interviennent, comme la musique, la danse et le chant, avec la participation du public, notamment pour les danses collectives. La grande variété des marionnettes en constitue aussi l’une des caractéristiques, pourtant elles ne vont pas se succéder en une série de tableaux sans liens. Elles prennent vie dans le cadre de tout un scénario, soigneusement imaginé par les organisateurs. Le SOGOBO est un art global, une réelle performance …

Les spectacles ont lieu la journée (tiefedow) ou le soir (Sufe dow). Parfois on assiste à des spectacles sur le fleuve, les marionnettes sont embarquées sur des pirogues ou jouent dans l’eau (poissons ou hippopotames).
Elles sont parfois de très grandes dimensions et sont sculptées par des forgerons comme partout en Afrique, mais restent la propriété des jeunes.
Les marionnettes ont un rôle éducatif et ludique : mises en scène lors de contes relatifs à la maternité, aux forces de la nature, aux génies de la brousse, au monde invisible animal ou humain.
Les Bozos, à travers leurs marionnettes, considèrent leurs spectacles comme un moyen de communication qui dirige les énergies créatrices de la société.
On distingue 2 types de marionnettes :
Les MAANI : marionnettes à formes humaines ;
Les SOGOW : marionnettes animalières.

Cet art est encore vivant dans les villages du Mali, notamment autour de Ségou. Il participe à une culture populaire toujours vivante qui puise au tréfonds de l’imaginaire Bamana, Bozo et Marka,  une expression sociale intime, celle où des communautés villageoises réaffirment leur lien identitaire et leurs valeurs sociales auxquelles elles croient.

Autodidacte laborieuse, Vanessa Genachte crée de façon spontanée et décomplexée un univers rêvé où s’entremêlent la simplicité et la sophistication. Dans sa série « Portrait Primaire » elle travaille sur la mixité culturelle et sur l’identité. Les peuples se retrouvent dans une quête singulière de distinction et de beauté. Par cette démarche, elle peint des portraits d’hommes et de femmes dans leurs apparats naturel, habits de cérémonie ou look punk des années 70 et ainsi, mélange les codes. Il n’y a plus de tribu mais une société universelle qui traverse les frontières pour inventer une nouvelle esthétique. Sa signature picturale est toujours la végétation luxuriante et omniprésente. Sa peinture colorée, naïve et pop mélange le trait contemporain au souffle archaïque de temps immémoriaux. Son art ne se prend jamais au sérieux, il se révèle drôle et léger par irrévérence au monde actuel. Elle aime s’inspirer de grands artistes comme Francesco Clemente, Le Douanier Rousseau ou Yayoi Kusama mais aussi des artistes contemporains de la scène internationale et du renouveau africain. 

En Afrique, la fonction du lance-pierre ou « potomo waka » en langue Baoulé, est essentiellement d’abattre du petit gibier. Bien des peuples confectionnent des lance-pierres ; seuls les Baoulé (à une exception près) ont eut l’idée de les orner de gracieuses sculptures n’en empêchant en rien le fonctionnalisme.

Alex. est né en 1970 à Valence (Fr). C’est un artiste plasticien autodidacte. Il vit et travaille actuellement à Saint-Louis du Sénégal. C’est un artiste permanent de la prestigieuse Galerie W à Paris.

1/ Il élabore ses dessins de la série Vie Sauvage par superposition, accumulant différentes techniques (crayon, acrylique, collage, spray, pochoir et coulure) pour représenter des sujets qui lui sont cher : la nature mise à mal, les animaux en voie d’extinction…

2/ Pour sa série photographique Regards Noirs, il s’intéresse au sort des enfants de la rue et réalise des portraits en partant des déchets qu’ils collectent. C’est un travail sans l’aide de Photoshop, en se servant uniquement d’un appareil photo et d’un vidéo projecteur. Le portrait se superpose à la matière.

3/ Série de sculptures Visages noirs. Ces œuvres font directement échos à ses photographies sur les enfants des rues.
C’est un travail d’observation, influencé et lié à l’environnement dans lequel il vit.
C’est en effet en regardant les fondeurs réaliser des marmites en aluminium que ce projet à commencé. En imitant cette technique il a pu réaliser une matrice  d’une sculpture représentant une tête, qui allait lui servir tout au long du processus de création..
Il utilise par la suite les supports qu’il rencontre dans la rue,  souvent les déchets de notre civilisation, le béton, le fer, les poubelles brûlées, pour les incorporer progressivement à la sculpture..
Il les voit  comme un témoignage, une forme de questionnement sur le rapport que l’on a à la nature.

Mamadou WADE (1944-2024) est né à Mekhé (région de Thiès) au Sénégal. Il est arrivé très tôt à l’art, à quinze ans à peine, du temps de la Maison des Arts du Mali (1959), puis de l’Ecole des Arts du Sénégal (1960). Quatre années durant, il s’initie aux différentes techniques et disciplines du métier. Il n’y perd pas de temps et obtient son diplôme en 1963, faisant ainsi partie des toutes premières promotions sénégalaises d’artistes plasticiens formés au pays même. 
Chance exceptionnelle, pour les besoins du projet de Senghor et de Papa Ibra Tall de création d’une tapisserie nationale, pour laquelle il fallait des techniciens sénégalais en lice, il est choisi, avec trois autres camarades, Doudou Diagne, Alioune Diakhaté et Mar Fall, et envoyé en formation à la Manufacture des Gobelins en France. Il y séjourne deux ans.  A son retour avec ses camarades de promotion, ils sont affectés à la Manufacture nationale de tapisserie, transférée la même année à Thiès. Là, il participe, de 1966 à 1970, à la formation des techniciens en lice, en qualité de maître formateur. 
En 1970-1971, il effectue un second stage en tapisserie, cette fois à l’Ecole des Beaux-arts d’Aubusson et réintègre la Manufacture à la fin de son stage et y reste jusqu’en 1978. 
Il a ainsi, pendant près de quinze ans, contribué à la formation de nombreuses promotions de techniciens de tapisserie, en même temps que des artistes peintres ; parmi eux Ngalla Cissé, Kalidou Kassé, Mbaye Moké Traoré, Papa Dieng, etc. Mais aussi, l’artiste plasticien a tiré profit de sa présence dans cette unité de production, embryon et première forme d’industrie culturelle nationale, avant même la création du concept. Il a en effet fait tisser plusieurs de ses œuvres. Ses nombreuses tapisseries, réalisées à Thiès, sont disséminées tant dans le pays qu’à l’étranger. 
En 1978, il repart pour Moscou où il entame un nouveau stage à l’Institut Sorikov, en compagnie de deux jeunes artistes sénégalais, El Hadj Mboup et Serigne Tacko Diongue. Mais il ne reste là que pendant trois ans, au lieu des sept requis pour obtenir le diplôme. De Moscou, il préfère se rendre à Bruxelles pour intégrer l’Académie royale des Beaux-arts de Belgique, où la formation en décoration monumentale était assurée en quatre ans au lieu des sept ans à Moscou. Il y séjourne jusqu’en 1986, année au cours de laquelle il obtient son diplôme et revient au pays. 
Il est affecté cette fois au ministère de la culture, où il assume des tâches de gestion, d’abord auprès du Chef du personnel, puis à l’Ecole des Beaux-arts.
Après la formation et les activités pédagogiques exercées aux Manufactures sénégalaises des arts décoratifs, Wade amorce alors une nouvelle phase de sa carrière, celle qu’il consacre à l’administration et à la gestion de la culture et de l’art. Car de l’Ecole des Beaux-arts, il est réaffecté, au bout d’un an, au ministère de la culture, précisément à la division du Fonds d’aide aux artistes et au développement de la culture de la Direction des Arts. De là, il est envoyé, sur la demande de son directeur, au Musée dynamique en 1986-1987 ; il collabore avec celui-ci jusqu’à la fermeture, en 1990, de ce musée. Il rejoint alors la Galerie nationale d’art, dont il est chargé de la gestion de la salle d’exposition. A la fin de cette année 1990, il introduit une demande de déflation, c’est-à-dire, comme on le disait à l’époque, son « départ volontaire de l’administration ». Depuis lors, Mamadou Wade est un artiste indépendant, qui vit de son art. 
Membre de l’Association nationale des artistes plasticiens du Sénégal (ANAPS), il s’est impliqué à double titre aux différents salons de cette association, en tant qu’artiste et parfois en qualité d’organisateur. 
Mamadou Wade aura ainsi assumé, de 1965 à 2004, soit quarante années de sa vie, des fonctions diverses, mais toujours au service de l’art ; car chacune des fonctions précédentes concerne l’art de quelque manière : le formateur, l’administrateur, le praticien, le galeriste et le gestionnaire sont désormais des figures différentes de ces professionnels modernes reconnus comme serviteurs de l’art. Mamadou Wade aura fini par imposer sa polyvalence au service de l’art, en même temps qu’il continua inlassablement de créer.

Mahmoud Bâba Ly est né dans une famille d’artiste en 1987 à Thiès au Sénégal. Il grandit à Dakar, au cœur du Village des Arts, dans l’atelier de son père Amadou Dédé Ly, peintre et calligraphe reconnu. C’est dans cet environnement riche de création qu’il forge très tôt sa sensibilité artistique, débutant la peinture dès l’âge de 14 ans.
Son apprentissage s’effectue de manière empirique, dans l’observation et la pratique quotidienne. Rapidement, il s’affirme par une écriture picturale singulière, hors des catégories classiques. Lui-même qualifie son style de « subjectif ». Ce qu’il recherche avant tout, c’est une expression directe, intuitive, viscérale : une peinture nourrie de silence, de spiritualité et de mémoire. L’œuvre de Bâba Ly est marquée par une forte dimension humaine. Inspiré par ses années d’enfance passées dans un daara (école coranique). Il en résulte des toiles où l’émotion affleure dans la matière, souvent traversées de silhouettes floues, de visages à demi effacés, comme pour mieux parler de l’effacement, de l’invisible ou de la marginalité.
Sa palette de couleurs privilégie les terres : ocre, brun, doré, beige, noir. Une gamme chaude et organique qui confère à ses œuvres une lumière intérieure et une profondeur presque tactile. Le geste est libre et vibrant, laissant transparaître une douceur et une tendresse à l’égard de ses sujets.
Aujourd’hui, Bâba Ly compte parmi les artistes majeurs de la scène contemporaine sénégalaise. Profondément enraciné dans son vécu, mais ouvert aux enjeux du monde, il incarne une peinture de l’âme, à la fois méditative, sociale et poétique.

Originaire de Bafoussam au Cameroun, Romeo Lionel Nzegang Temwa est né en 1993. Il est licencié en 2014 en arts plastiques et histoire de l’art de l’Institut des Beaux-Arts de Foumban. Son travail explore les mécanismes de manipulation de l’opinion publique par les médias. Roméo représente l’individu comme un simple pion dans un échiquier social fragmenté. Dans sa série Révolution‑Nerfs, il illustre les impacts physiques et mentaux de la désinformation. On y voit des figures contestataires portant des masques à gaz, brandissant des journaux en guise de cocktail Molotov symbolique : un appel à une révolution conceptuelle plutôt que violente. Son esthétique mêle acrylique et encre, créant des compositions habitées, fragmentées : visages éclatés, corps disloqués, métaphores visuelles puissantes sur l’aliénation induite par les « fake news » et l’infobésité. Roméo Temwa a exposé ses œuvres dans des manifestations majeures : Douala Art Fair, Impart Artist Fair (Nigeria), Abidjan Art Fair, expos personnelles à Berlin fin 2021, entre autres. Roméo Temwa incarne un artiste engagé, qui, à travers un art conceptuel et incisif, interroge notre rapport à la réalité médiatique. Il met en lumière les fractures sociales contemporaines et appelle à une conscientisation collective face à la manipulation de l’information.

Alpha SOW (1945 – 2016) est un céramiste sénégalais originaire de Thiès où il eut contact avec l’argile pour la première fois à l’âge de cinq ans. Il étudia comme élève-instructeur à l’École National de Formation Artisanale avant de se perfectionner à la Staatliche Fachschule Für Keramik de Grenzhausen en Allemagne. Artiste humaniste d’une grande générosité, il aimait transmettre sa connaissance aux étudiants et partager son expérience. Il enseigna durant une dizaine d’années à l’École Nationale des Arts, donna des cours particuliers et enseigna dans les écoles françaises et américaines de Dakar. De la collecte de l’argile sèche à la sculpture en passant par le modelage, le tournage, le colombinage et les patines, Alpha SOW maitrisait toute la chaine de création. Il exposa pour la première fois lors du premier Festival Mondial des Arts Nègres de Dakar en 1966. Il fut sélectionné pour la Biennale Internationale des Arts de DAKAR de 1992. Ses œuvres sont présentes dans le monde entier. Une exposition-hommage lui est rendue à la Galerie Nationale de Dakar en 2017. Les œuvres d’Alpha Sow démontrent le souci du céramiste de créer une harmonie avec les autres éléments d’un décor intérieur. La patine, qui rappelle l’acajou, confère une cohérence visuelle avec le voisinage.

Hippolyte Kaboré (alias Delavolta) a conduit parallèlement à ses études une carrière de peintre qui semble être aujourd’hui reconnue grâce aux expositions individuelles présentant son travail en Europe. Après avoir traversé une période fortement dominée par l’abstraction, Hippolyte Kaboré s’est engagé en 2003 dans une démarche où le réalisme triomphe, s’inscrivant ainsi dans un courant plus universel.
Scènes de vie quotidienne tracées avec des couleurs flamboyantes, moments de tendresse et d’amitié, une grande palette des sentiments humains y est tracée avec une réelle émotion, une véritable énergie que transmet un univers gorgé d’amour. Démarche audacieuse, elle permet à cette peinture de transcender bien des clichés que le monde peut avoir sur la culture africaine, l’anoblissant ainsi par une volonté de donner à son univers les couleurs de l’arc-en-ciel.

Seyni Awa Camara (v.1945-2026) est une sculptrice sénégalaise originaire de Bignona en Casamance. Issue d’une lignée de potières, elle apprend dès l’enfance à travailler l’argile selon les traditions ancestrales. Mais très vite, elle s’émancipe de la poterie utilitaire pour développer une œuvre singulière, à la croisée du sacré, du mystique et de l’onirique. Seyni Awa Camara sculpte des figures puissantes, souvent féminines, à la fois humaines, animales et spirituelles. Ses créatures hybrides, aux formes archaïques et monumentales, semblent surgir d’un monde ancien, entre rêve et réalité.

Autodidacte, elle forgea un langage sculptural unique, nourri de mythes, de croyances animistes, de rituels de fertilité et de récits transmis oralement. Elle travaille sans croquis ni modèle, directement avec ses mains, dans une relation instinctive et quasi mystique à la terre. Ses sculptures, cuites sur des bûchers à ciel ouvert, sont marquées par une rugosité brute et une expressivité troublante.

Reconnue dès les années 1980 par des institutions et collectionneurs en Afrique comme en Europe, Seyni Awa Camara resta farouchement attachée à son village, d’où elle n’a jamais voulu s’éloigner. Son œuvre est aujourd’hui saluée comme l’une des plus importantes de la scène contemporaine africaine. Elle incarne une voix rare, profondément enracinée dans les spiritualités africaines, mais universelle dans sa portée artistique.

Fatoumata Diabaté (née en 1980 à Bamako) est une photographe malienne. Elle fait ses premières armes au Centre de Formation Audiovisuel Promo-Femmes, avant d’intégrer le Centre de Formation en Photographie de Bamako entre 2002 et 2004. Attirée par le portrait et la photographie humaniste et sociale, l’artiste a pour sujet principal les femmes et les jeunes générations au Mali. Ses deux séries : L’Homme en Animal et L’Homme en Objet, sont deux projets photographiques qui se sont développés en résonance de 2011 à 2015 autour du rôle des histoires et des contes dans la structuration de l’individu au Mali. Un langage symbolique fort, où l’objet et l’animal questionnent notre rapport au monde, modifient les corps et masquent la figure humaine. Objets usuels, masques improvisés et vêtements deviennent dans ses portraits les vecteurs symboliques d’une mémoire commune bien vivante, sans cesse réinventée. Portraitiste, photographe sociale, ou de reportage (World Press Photo, Oxfam, Rolex), Fatoumata Diabaté a déjà participé à de nombreux workshops et à de nombreuses expositions collectives ou individuelles, notamment à la Biennale de la photographie de Bamako (2009, 2011), à la Fondation Blachère (2012), au Muséum national du Havre  et à la Fondation Cartier de Paris (2017), à la Biennale de Dakar (2018), au Musée rouge de Canton et au Shutter space de Chengdu (2019). Lauréate 2020 des « Résidences Photographiques » du Musée du Quai Branly – Jacques Chirac. Depuis décembre 2017, elle est présidente de l’association des femmes photographes du Mali. Fatoumata Diabaté s’impose dans le paysage de la photographie africaine avec des œuvres qui se caractérisent par leur spontanéité et leur sobriété.

Une artiste de l’exposition CHAOS.

Yikunoamlak est né en 1994 à Dessie, ville du nord de l’Éthiopie située dans la région Amhara, à 400 km environ au nord de la capitale Addis-Abeba où il vit actuellement. Artiste visuel, génie de l’informatique, il crée des oeuvres numériques se concentrant sur la culture traditionnelle éthiopienne et particulièrement sur celle de la cérémonie du café. La cérémonie du café (en amharique jebena buna) est une forme ritualisée de préparation et de dégustation du café. Elle est l’un des éléments notoires de la culture éthiopienne ainsi que de la culture érythréenne. Le café est souvent offert aux invités, servi à l’occasion d’une fête, ou consommé au quotidien. Coulant de la « jebena » qui est la cafetière traditionnelle en terre cuite noire, c’est un moment de convivialité et de partage. Pour accompagner le café, on peut servir du pop-corn.

Un artiste de l’exposition CHAOS.

Yseult YZ DIGAN, c’est un oeil, avant tout. Une artiste engagée à l’intuition et guidée par une envie d’humanité. A travers une esthétique intemporelle, YZ chemine par sa propre histoire et reflète notre époque et nos sociétés d’une lumière qui, pour douce, n’en est pas moins étonnamment fidèle. Dans le rue, la figure humaine et son lieu de vie reste le thème centrale de l’artiste. YZ tente ainsi de situer la place des êtres dans notre société, décrit et décrypte nos modes de vie à travers l’image mise en scène des habitants des villes qu’elle traverse. Sa démarche s’inscrit de plus en plus dans une dynamique globale, tour à tour affichiste, vidéaste/documentariste, plasticienne, elle s’approprie un espace avec lequel elle forge une relation intime. Avec une exigence extrême, YZ navigue à travers des projets au spectre large en se fiant à son flair. Sans artifice, elle peint, colle et bombe tant des figures feminines des années 1900 , qu’un visage logotypique qui toise le passant, ou des portraits percutants qui font sens dans la lutte contre l’esclavage et pour les droits civiques. Sans conteste, le travail d’YZ poursuit des thématiques dont la ligne directrice est le sujet le plus complexe et le plus captivant : l’Humain. © Celine Malraux
Suite à l’appel de La Poste (Fr), YZ a été choisie pour dessiner la nouvelle effigie française, Marianne l’engagée, que l’on retrouve sur les timbres postaux d’usage courant. C’est la première Street artiste à gagner ce concours.

En résidence au Sénégal, YZ initié le projet « AMAZONE » dans les rues de Dakar, Mbour, Saly,… En réalisant de grand collages peint à l’encre de chine sur du papier de soie collé symboliquement sur des cantines tenues par des femmes. Dans la continuité de cette série de collage, elle récupère du bois, du métal et peint ces mêmes portraits sur ces supports de récupération. Son travail vise à reconstruire le passé et faire connaitre le parcours de ces femmes qui reste relativement inconnu à ce jour. Femmes guerrières, révolutionnaires, anticolonialistes, femmes intellectuelles, nous avons besoin de personnages emblématiques pour nous inspirer, nous battre, défendre nos droits et écrire l’histoire de demain.

Mauro Petroni, céramiste d’origine Italienne, a rencontré son Maitre, Paul Frapolli, lors d’un voyage à Tombouctou. Unis par cette passion commune qu’est l’Afrique, il le suit au Sénégal. À Dakar, à l’époque de la construction du Club Med aux Almadies, Mauro apprend et collabore avec son maitre pendant quelques temps puis reprend l’atelier des Almadies en 1983. Sans jamais rompre avec l’acquis artisanale de l’atelier, il a réalisé à Dakar, mais aussi ailleurs au Sénégal et en Europe de nombreuses décorations en céramique destinées à l’architecture. Murs, fontaines, bancs, piscines, enseignes, églises, écoles, espaces publiques ou jardins privés. Ses références majeures restent la reconstruction de l’ancien marché Kermel à Dakar dont toutes les céramiques qui décorent les trois portails du marché ont été réalisées à l’identique par l’atelier en 1995. En 2008, dans le cadre des travaux pour la nouvelle corniche, Petroni réalise un monument sur un rond-point et en 2018, il restaure la gare ferroviaire de Dakar plus d’un siècle après sa mise en service pour le lancement du TER. Parallèlement il poursuit une recherche plus personnelle sur l’objet. Son travail se caractérise par des techniques manuelles très simples qui tiennent compte de ressources traditionnelles, unies sans complexe à des solutions plus contemporaines. Racines italiennes et influences africaines donnent une suggestion métisse à ses pièces. Il se reconnait ainsi dans l’esprit de Dakar, ville frontière aux multiples influences, expression d’une Afrique de contrastes et de mélanges entre cultures. L’atelier est devenu sous son impulsion un lieu d’exposition d’artistes contemporains venants du Senegal mais aussi d’ailleurs. Très impliqué dans le soutien de l’art contemporaine au Sénégal, Mauro fait partie depuis 2002 du Comité d’orientation de la Biennale de Dakar (on lui doit l’idée et la réalisation des «guides» du Dakart Off), de « Gorée, Regards sur Cours » avec Marie-José Crespin et du « Parcours » avec Koyo Kouoh. Mauro Petroni est une des personnes ressources du milieu artistique Dakarois.

Rafik ZAIDI est un artiste Algérien né en 1966. Diplômé de l’Ecole Nationale des Beaux Arts d’Alger, il a travaillé comme reporter de presse de 1990 à 1995, avant d’exercer comme directeur artistique de divers projets d’édition, notamment dans le livre d’art. Il a fait de nombreuses conceptions et réalisations pour plusieurs catalogues d’expositions pour des galeries et des musées. Actuellement il dirige une agence de communication et d’édition à Alger.

Série Papillons :
A Tifariti, dans les territoires sahraouis libérés du Sahara Occidental, Rafik ZAIDI a réalisé les portraits d’une dizaine de femmes, tout âge confondus, qu’il a interrogé sur leurs aspirations et leurs visions de l’avenir, les réponses de chacune des femmes sont transcrites au pied du cliché développé en grand format.

Je m’appelle Khadidjatou Fadhli
Je veux terminer mes études et devenir enseignante ou médecin ou autre chose.
Je veux voyager.
Je veux l’indépendance du Sahara Occidental et vive l’Algérie. »

Série Papillons : “Khadidjatou Fadhli”
Signée et numérotée 2/10
Impression sur papier FineArt
40 x 59,5 cm

série « Architecture de couleur » (Johannesburg)
Signées et numérotées 2/10
Impression sur papier FineArt
75 x 50 cm

Maria Catuogno est une plasticienne installée dans le Vaucluse (F).
Maria Catuogno sculpte… tisse le bronze… avec patience et détermination. Chez elle, rien n’est laissé au hasard et les parties les plus ténues de ses sculptures sont aussi les plus remarquables. Quoique compactes, ses œuvres ménagent une part au vide, comme mues par un besoin de respiration essentielle. Ainsi prennent formes des êtres lumineux et composites, sortes de guerrières en armure et cote de maille qui semblent attendre l’observateur avec un air de défi. Leur légèreté, cependant, leur autorise toutes les positions possibles et imaginables. Elles s’arrangent aussi de toutes les surfaces et, avec la même élégance impassible, s’arrogent le droit à l’apesanteur des acrobates pour peu qu’un fil opportun les accroche. Du reste, plus d’une de ses sculptures est déjà animée par un mouvement ascensionnel vers l’abstraction.
Maria Catuogno en intégrant la lumière à ses totems, au rythme d’une respiration, nous amène doucement à la réflexion sur une actualité omniprésente et puissante.
Ses sculptures révèlent une pensée du corps parfois plus politisé : de grands totems, qui font allusivement référence à l’histoire de corps scarifiés, composites dans leurs matériaux comme dans leurs cultures, avec des regards tournés vers l’Afrique, l’Amérique ou la Chine. A nouveau, l’artiste met en jeu une alchimie étrange, où l’énergie circule à travers des matériaux hétérogènes qui pourtant s’harmonisent.

Né le 15 janvier 1974 à Namur, Belgique, il est un artiste pluridisciplinaire dont la base de travail est l’image (photo, vidéo, peinture) et le langage. Entré en art comme dans un sacerdoce, il crée ses images photographiques comme des peintures. Le monde devient un terrain de jeu et d’expérimentations où la lumière est maître d’oeuvre.
Changement de paradigme veut dire changement de manière de voir. Il construit ses images comme des oeuvres picturales. Ce sont des photos de nuit où les réglages sont poussés à l’extrême pour enclencher une autre manière de voir et donc, peut-être, une autre manière de regarder. Photos prises dans l’espace public avec des points (ponts ?) de lumière exacerbés. Il faut voir pour croire et, comme qui dirait, tout dépend de l’oeil. 
Gaëtan Sortet est également présent sur la scène poétique, il a publié 3 recueils.
                 * 49 Définitions de la Poésie à lire avant d’avoir vu Naples
                 * Mes Prescriptions
                 * Poussées surréalistico-dentaires

Pascal NAMPÉMAMLA TRAORÉ est né en Côte d’Ivoire en 1971. Il est diplômé en communication et en Art Graphique obtenu à l’École Nationale supérieure des Beaux-arts d’Abidjan. Après une dizaine d’années passées en agence de publicité comme directeur artistique, il décide de se consacrer entièrement à son art. À la fois peintre, photographe, vidéaste, graphiste, designer, performeur, Nampémanla entremêle toutes ces disciplines pour mieux se renouveler. Son style et sa pratique évoluent avec les années et se laisse guider par les nouvelles techniques qu’il explore en permanence. Au cœur de sa démarche se trouve tout de même l’Homme. Il pose un regard sur l’humain face aux évolutions du monde. Il conçoit son art comme un moyen d’aborder différentes thématiques, liées entres autres à l’environnement, l’occupation anarchique des espaces publiques des grandes villes africaines et la surconsommation de l’humain depuis la révolution industrielle. Depuis quelques années, il est un des membres du Laboratoire Agit’Art.

HumaNature
Pour le CHAOS à la Galerie Mémoires Africaines, Pascal nous présente sa dernière série « HumaNature ». Ces œuvres déploient principalement des scènes d’intérieur — des salons feutrés ou élégants — dans lesquelles surgissent des motifs récurrents : un chien de salon, un cigare, un verre de whisky. Autour de ces éléments “classiques”, Nampémanla ajoute la superposition de fleurs, instaurant un contraste entre l’intimité feutrée et une nature foisonnante, presque intrusive.

Cette juxtaposition crée une tension : l’intérieur bourgeois ou domestique évoque un certain confort ou rituel, tandis que les fleurs, en surimpression, deviennent métaphore de vie, de transgression, d’une nature qui s’immisce. Le tampon à l’encre ajoute une texture : les motifs imposés, récurrents, comme des empreintes ou des slogans silencieux. Le charbon trace l’irrévérencieux, l’ombre ou la rature, tandis que l’acrylique colore la surface d’un vernis contemporain. Le papier marouflé sur toile, enfin, rend visible la superposition des strates : mémoire, décor, nature, temps.

À travers ces scènes, l’artiste ne se contente pas de représenter un intérieur : il questionne des rites, des habitudes, un luxe discret, et l’arrivée de l’élément végétal — la fleur — comme symbole de générosité, de vie, ou d’intrusion dans le confort établi. Le chien, fidèle compagnon, devient spectateur ou acteur de cette tension. Le cigare et le verre de whisky, objets de fierté ou de ritualité, sont réinterprétés quand les fleurs les entourent, les dépassent ou les recouvrent.

Le style de Nampémanla inscrit ces scènes dans un hors-temps, où le familier est détourné, où le calme apparent dissimule un questionnement. Il s’agit d’un espace mental autant que matériel. Le spectateur est invité à s’asseoir dans ce salon, à inhaler la fumée du cigare, à observer le chien qui dort, mais aussi à sentir la vie des fleurs qui envahit le décor, à s’interroger sur ce qu’il regarde.

En ce sens, cette série s’inscrit pleinement dans son parcours : matériaux détournés, questionnements sociaux et esthétiques, hybridation entre quotidien et poétique. Elle marque un nouveau jalon dans son œuvre — un lieu intérieur chargé, à la fois confidentiel et universel.

Ce que nous présentons ici est à la fois une invitation à entrer dans un espace — celui du salon, du foyer — et à dépasser ce lieu pour en faire l’objet d’une réflexion : sur la consommation, sur le confort, sur la présence de l’autre (le chien), sur le rituel (le cigare, le whisky), et sur la nature qui revient (les fleurs). L’œuvre de Pascal Nampémanla Traoré s’offre donc comme un miroir : celui d’un monde en mutation, mais aussi celui de nos habitudes, de nos intérieurs, de ce que nous acceptons de voir ou de masquer.

Nous sommes heureux de présenter ces nouvelles œuvres dans le cadre du CHAOS et de mettre en lumière cette étape de son cheminement artistique.

LIBERTÉ MASQUÉ
Si l’art européen a été au centre du monde artistique pendant des siècles, n’a-t-il pas été lui-même influencé par l’art africain au début du 20e siècle ?
Nu couché les bras ouverts, Nu assis sur un divan, Nu Couché au coussin
bleu, Nu (Lorette allongée sur fond rouge) de Henri Matisse ou encore L’origine du monde de Gustave Courbet et La Joconde de Leonard de Vinci sont des réinterprétations de formes et une prise de position qui nous replonge dans la complexité des rapports entre Europe et Afrique.
Liberté masquée est un éloge à la beauté, à l’universalisme et à la liberté de créer.
C’est notre manière de renouer ce dialogue des cultures qui n’aurait jamais dû être interrompu.
Cette conversation silencieuse qui nous met tous en émoi face à la beauté silencieuse de ces œuvres et qui donnent sens à notre humanité.

TRANSE
Transe est une danse de guérison et de libération du corps de la femme.
Préparer le corps, le purifier pour se laisser posséder par l’esprit.
Le corps envouté peut enfin voyager vers ces espaces qui lui étaient interdits.

Mohamed AZZOUG, artiste visuel né en 1973 à Alger, Algérie. Il se destine au dessin et au modelage dès sa prime enfance, depuis l’âge de 4 ans. Il a été encouragé par un oncle artiste peintre. «Ravi à la fleur de l’âge en 1982, à 31 ans, mon oncle a nourri mon amour pour l’art» . Il intègre l’école supérieure des beaux arts d’Alger en 1993, et obtient le diplôme d’études supérieures artistiques. Il participe à plusieurs expositions nationales et internationales. En 2008, il réalise le Trophée littéraire du salon international du livre d’Alger. « SILA »  En 2013, il reçoit le prix international du meilleur artiste étranger, au concours international d’art plastique à Nice, France. En 2014, il décroche la médaille d’argent du Art Council Japon et L’Aigle de Nice international, à Saint Laurent du Var, France.
En 2019, il reçoit le prix d’honneur international Zervas Art Club Unesco, au 5ème salon d’art de Paris, France.
 
Son travail consiste à observer et analyser l’aspect psychologique et sociologique de la société dans laquelle il opère. A la recherche du détail qui déterminera les contours successifs de ses œuvres contemporaines. Ses peintures, et installations sculpturales sonores frappent par le ton particulier qu’il donne à ses œuvres. C’est à travers ses œuvres aux formes et matériaux expressifs et contemporains, qu’il observe de manière critique les mutations culturelles et psychologiques observées dans la société et dans le monde.

AMANI Aka Ange dit AMAKAN est un peintre ivoirien né en 1979 à Touba, au nord-ouest de la Côte d’Ivoire.
Il est diplômé du Centre Technique de Arts Appliqués (CTAA) de Bingerville, et du Centre Régional des Arts et des métiers de l’Art d’Abengourou (CRAMA).
Adossé à la formation qu’il a reçue, Amakan est retenu dès le début des années 2000 par Maître Samir Stenka comme l’une des valeurs montantes de la scène ivoirienne.
Aujourd’hui, Amakan, fait état d’une maturité plastique certaine en adoptant une démarche artistique dans laquelle la couleur joue un rôle prépondérant portée par son habileté à suivre une ligne expressionniste spécifique.
Il puise dans les ressources de l’âme et l’esprit pour exprimer sa vision du monde à travers la peinture.
Par l’application de tâches étouffées, l’artiste joue des tons rouges-sang et des éclats jaunes ou blancs de la lumière, pour imprimer une ambiance florale.
Par sa force expressive, par l’impétuosité de son rougeoiement de braise, par son ambiance habitée par des personnages qui accrochent, la peinture d’Amakan instruit une écriture originale dans la douceur apaisante d’un bouquet de fleurs.
Ce contraste de couleurs révèle au spectateur une perception de l’homme en tant qu’être spirituel animé par l’énergie universelle.
Amakan aborde volontiers des thématiques centrées sur des faits historiques, le désir de liberté, de rencontres et de voyages.

André Makakasa MAYEMBA est né en 1946 à Lemfu dans le Bas-Congo. Il gagne Kinshasa pour y faire ses études primaires. Très vite il se découvre une passion pour l’art et intègre la section peinture de l’Académie des Beaux-Arts de Kinshasa en 1960. Il y obtiendra un diplôme d’humanités artistiques au bout de 7 années de formation et un graduat option Ensemblier Décoration 3 ans après. Il ira ensuite en Belgique pour y faire un 2ème et 3ème degré en Ensemblier Décoration (Académie Royale de Bruxelles et E.S.A.P.V.E. à Mons).
Dans ses toiles, Mayemba utilise abondamment les éléments décoratifs. Voilà pourquoi il met à la confection de chaque oeuvre la patience voulue et toute la magie de sa technique éprouvée.

Alhassane KONTÉ, dit Lass (Mali, né en 1993). 

Alhassane met en scène des enfants, des fleurs et des animaux face à face. Un dialogue semble s’instaurer entre l’enfant et la fleur. L’enfant sait d’instinct que la fleur est vivante et fragile au même titre que lui. La force de la fleur, dépendra de celle de l’enfant.
« Les enfants ne touchent pas pied au sol, ce sont des êtres libres et naturels. Les animaux symbolisent les difficultés qu’il y a toujours dans la vie. Les enfants voient les animaux comme des amis et essaient de les apprivoiser. La puissance de l’animal peut toujours être contrôlée, on peut s’en servir. »
Les enfants avec leur insouciance et leur liberté fondamentale sont les gardiens des valeurs humaines. L’artiste porte un regard à la fois critique et optimiste sur notre relation avec le monde et la nécessaire protection de tout ce qui est vivant sur terre. Il souhaite embrasser la nature comme vecteur primordial du bonheur.
Ses influences, puisées au coeur de son pays le Mali, ouvrent un dialogue sur les valeurs humaines, l’écologie, le temps et la persévérance nécessaires au fonctionnement de vies aux modes d’existence pourtant radicalement différents. Le message peut paraître naïf, il n’en est pas moins profond, en lien avec les dangers du changement climatique, mais aussi avec la culture dite « animiste » de l’Afrique de l’Ouest, dans laquelle la relation avec la nature est centrale.
Le style unique de Lass séduit pour sa fraîcheur, sa poésie et sa palette de couleurs aux contrastes subtils. Les œuvres sont construites à travers des couches d’acrylique, incorporant de la cendre ou de la poudre de bois sur la toile.
Alhassane Konté est diplômé en sculpture à l’Institut National des Arts du Mali en 2017. Il se forme ensuite en Arts Plastiques, licence 3, au Conservatoire des Arts et métiers Multimédia de Bamako. Il a été lauréat du concours de la coopération Mali / Union Européenne en 2018. Sa première exposition en solo à lieu à la Villa Soudan en 2019. Il a récemment exposé à la Galerie Chauvy à Paris et à la LouiSimone Guirandou Gallery à Abidjan. Il a également effectué la résidence de la Fondation Blachère.

Sébastien Bouchard est né en 1971 à Nantes. Dès l’âge de 10 ans, sa famille s’installe au Sénégal. Il est diplômé en 1996 de l’École des Beaux-Arts de Nantes et réside tour à tour à Conakry (Guinée), Recife (Brésil) et Palmarin (Sénégal) où il installera son atelier pendant 5 ans. Tous ses voyages imprégneront fortement son travail en lui ouvrant un vaste champ d’exploration pictural.

Son œuvre puise à la fois dans les esthétiques urbaines contemporaines et dans une profonde sensibilité aux cultures afro-diasporiques. Formé aux techniques classiques du dessin et de la peinture, il développe une pratique picturale hybride, où le réalisme de ses portraits contraste avec la force graphique des motifs qui les environnent. Son travail s’inscrit dans une volonté de représenter les identités noires avec dignité, puissance et modernité.

Sa série Afro-Remix en est l’expression la plus aboutie. Chaque portrait, traité avec une grande finesse, se distingue par un jeu subtil d’ombres et de lumières appliquées en petites touches de pinceau, donnant à chaque visage une profondeur presque photographique. Ces figures, empreintes de calme ou de détermination, sont superposées à des arrière-plans vibrants, saturés de motifs inspirés du wax africain, de l’imagerie pop-art ou encore de symboles graphiques empruntés à la culture urbaine.

Ce dialogue entre figuration réaliste et éléments décoratifs puissants crée une tension visuelle saisissante, où la beauté des visages se mêle à une charge symbolique forte. Afro-Remix est bien plus qu’un travail plastique : c’est une démarche à la fois politique et poétique, qui célèbre les héritages afrodescendants tout en leur donnant une place visible et valorisante dans l’espace public. En combinant esthétique du graffiti, textures textiles et précision picturale, Sébastien Bouchard invente un langage visuel singulier, vibrant, qui invite à la reconnaissance, au respect et à la transmission des cultures noires dans toute leur diversité.

Moustapha Baidi Oumarou est né en 1997 au Cameroun. Engagé très jeune dans la peinture, il représente l’humain dans sa vraie nature, en toute simplicité, douceur et amour. L’humain qui accueil l’humain, qui transcende toute négativité et souffrance. L’humanité à besoin d’amour, d’attention et d’affection pour un avenir bleuté d’espoir et fleuris d’amour. Nous voyons là, la naissance d’un nouvel être : L’homme Fleurs.

Stéphanie NYANGONO
(Cameroun — née en 2000, vit et travaille à Yaoundé)

Jeune plasticienne formée à l’Institut de Formation Artistique de Mbalmayo, puis à l’Université de Douala (e-design) et à l’Université de Yaoundé I en Arts plastiques et Histoire de l’art, Stéphanie Nyangono développe une oeuvre profondément liée à la santé mentale et aux émotions dissimulées.

Son travail associe collage, couture, tissage et peinture dans des compositions où corps féminins et masculins apparaissent figés dans des postures inspirées de l’imagerie contemporaine. Derrière l’esthétique colorée et séduisante, elle révèle la fragilité, les tensions intérieures et les douleurs silencieuses.

Sa pratique explore la coexistence de la beauté et de la vulnérabilité, invitant le spectateur à accepter ses propres zones d’ombre.

La liberté de l’art réside dans le fait de laisser s’exprimer toutes les émotions, brutes, sauvages et déchaînées, sans dogme ni religion…

Né à Lyon en mai 1957,Georges Rossi, a grandi comme un tarzan des villes dans le parc de la tête d’or, la tête pleine d’images de Fredérick Rossif, et de Dactary ; dans le fond du jardin, il imagine une jungle dans laquelle il devient Robinson Crusoé.
Très tôt, il attrape les crayons de couleurs et commence à griffonner. A 17ans, il entre aux beaux-arts, mais abandonne rapidement les pinceaux. Son art doit se débrider et retrouver les rêves d’enfants, il ne sait pas encore qu’il a du talent.
Un jour, il ouvre un livre d‘art animalier de Robert Bateman, il est fasciné, c’est la révélation: Il recommence à peindre et jamais plus il ne s’arrêtera. Il immortalise les animaux sur la toile et retrouve son âme d’enfant.
Sa main va rechercher l’ultime vérité et la perfection pour traduire les émotions. Il jette un regard émerveillé sur la vie sauvage qui l’entoure, effectue plusieurs séjours en Afrique, il observe et photographie la faune dans son milieu naturel pour recopier l’exactitude d’une forme, d’un mouvement, jusqu’à l’expression ultime du vivant.
D’un art académique, animalier, réaliste, il emprunte année après année un style de plus en plus personnel et affirmé : libre, moderne, plus introspectif. Il saisit des instants fugaces de la nature. Son art se veut être une parabole. Ses tableaux invitent à vivre en harmonie avec la nature. Les animaux de Georges Rossi regardent et observent, ils ressentent les hommes et les renvoient à leur devoir : celui d’évoluer et de ne pas retomber dans la sauvagerie. C’est également à travers la peinture que Georges souhaite rappeler aux hommes l’essentiel de la vie et les invite à renouer avec leur Moi profond. Il se sert de la pureté animale pour montrer aux hommes qu’ils vivent trop souvent dans la répression de leurs émotions, source de souffrance dans nos sociétés modernes. Ses tableaux se veulent être ressentis comme un coup de poing.

Jean-Claude Desmergès est né en France en 1957. Sa vie se résume à l’art. Il est à la fois auteur, performeur graphique, agrégé en arts plastiques, docteur en sciences de l’art, expert en didactiques des arts visuels, chercheur en processus de création et en analyse des messages littéraires et artistiques.
Il est surtout un homme possédé de son art et des divers moyens qu’il met en œuvre pour l’exprimer. Desmergès bouillonne d’une énergie qui a besoin de s’exprimer dès qu’on lui en donne l’occasion.
Après une première vie en France où il s’installa dans des friches industrielles. Il pratique alors un art d’intervention, engagé et de caractère activiste qui constituera un premier outil de déchiffrage de l’inter-relation entre l’art et le monde. Cette trajectoire aboutira à plusieurs années d’art contextuel.
Sa vie, le conduira ensuite dans de longs voyages en Afrique. Il développe ainsi l’idée de « l’art comme un état de rencontre », aussi bien dans des ghettos oubliés du Togo qu’auprès des enfants Talibés des plages d’Assinie et des rues d’Abidjan en Côte-d’Ivoire, que dans les villages de la région de Fatick jusque dans le Sine Saloum et en Casamance, au Sénégal. Le Burkina Faso, le Bénin, la Tanzanie lui permettent de matérialiser, sous forme d’objet d’art, des « traces » (au sens de Jacques Derrida) de ces instants de rencontre. On pourrait définir cette approche de Desmergès comme praxis (théorie critique) consistant à juger les œuvres d’art en fonction des relations inter-humaines qu’elles figurent, produisent ou suscitent. Pour cet artiste, l’art de la performance contextuelle doit demeurer une « discipline » imprévisible, riche en rencontres, en rapport à l’autre et vectrice d’hybridation culturelle.

Souleymane Keita, né le 17 avril 1947 à Gorée et mort le 19 juillet 2014 à Dakar, est un peintre sénégalais contemporain. Il fait partie de la première génération du mouvement de renouveau artistique né au Sénégal à l’aube de l’indépendance et connu sous le nom d’« École de Dakar ».
Rompant très tôt avec le « symbolisme » voulu par L.S. Senghor, Souleymane Keita suit rapidement une voie plus personnelle. Son œuvre tend, dans les années 1980, vers le non-figuratif et l’abstraction raffinée, associant des signes mythiques, un style élégant, parfois un univers surréaliste.
Reconnu comme le doyen et l’un des principaux chefs de file de l’art contemporain au Sénégal, cet artiste émérite est l’auteur de plusieurs expositions internationales. Diplômé de l’École nationale des Beaux-arts de Dakar, sous la direction d’Iba N’Diaye, M. Keïta fut aussi professeur de céramique et de peinture au Jamaïca Arts center à New-York et au Japon. Considéré comme le chef de la peinture abstraite au Sénégal, « le magicien de la peinture » avait reçu, lors de la rentrée solennelle des arts et des lettres, le Grand Prix des Arts pour l’ensemble de son œuvre. ‘’Il est le seul artiste qui a eu à être cité à l’unanimité par le jury.
Son œuvre se caractérise par une peinture intimiste et abstraite qui fait preuve d’un grand équilibre.

Fally Sene Sow est un artiste plasticien autodidacte sénégalais né en 1989. Il agrège, dans des collages sous verre, tous les objets épars qui font la vie de Colobane. Un grand marché en mouvement où se mêlent et se confondent les couleurs, les bruits et les odeurs d’un quartier typique de Dakar.
Fally observe, photographie, puis découpe, froisse, recompose toutes sortes de matières, les colle et les remet en scène sur un support de verre. Il recrée ainsi l’atmosphère du quartier où il est né et a grandi. Colobane, source d’inspiration permanente de par ses couleurs, ses mouvements incessants, l’ordre et le désordre de la vie quotidienne.

Une attention particulière est portée sur chaque objet, qu’il soit du quotidien ou sacré.
Nous découvrons ici une sélection de ces pièces anciennes, provenant des 4 coins du continent Africain.

Principalement installés au Niger et au Mali, les Touareg ont, avec une économie de moyens, réussi à obtenir un rendu exceptionnel dans un des environnements les plus rudes du monde.

Sélection d’outils en pierre taillée du Néolithique Saharien.

Amadou BOYE, dit ZEUS est un artiste autodidacte de Saint-Louis au Sénégal né en 1975. Il transforme les déchets en trésors artistiques. Depuis plus de vingt ans, il insuffle une nouvelle vie à des objets jetés, créant des pièces puissantes aussi écologiques que socialement percutantes.
Son studio « L’Or dure » reflète sa philosophie de transformer l’ordinaire en extraordinaire. Inspiré par son oncle Macodou KÉBÉ, réputé pour ses sculptures faites à partir de canettes, ZEUS poursuit l’héritage familial tout en développant son propre style.
Vibrant, stimulant et souvent superposé de textes poétiques ou philosophiques, son travail aborde des questions profondes comme la migration clandestine, les droits des femmes et les luttes des enfants des rues. A travers des ateliers de recyvlage avec des talibés, ZEUS montre que l’art peut entraîner un changement social significatif.

La galerie présente une collection d’objets de la civilisation BURA en terre cuite.

(Sénégal — né en 1991 à Diourbel, vit et travaille à Dakar)

Diplômé de l’École nationale supérieure des Arts du Sénégal (DNBA, mention très bien), Kha Bamba développe une pratique qu’il situe entre peinture, textile et design. Inspiré par sa mère couturière et par son oncle, le grand artiste textile Papa Ibra Tall, il fait du tissu son médium central.

Par découpage, couture, collage et peinture, il crée des figures anonymes qui se fondent dans des environnements textiles foisonnants. Ses personnages deviennent des archétypes d’une identité panafricaine en mouvement.

Son travail questionne les rapports entre culture, modernité, religion et ouverture au monde. Lauréat du Singulart Art Prize 2025 et participant à de nombreuses résidences et biennales internationales, Kha Bamba affirme une voix singulière dans le paysage textile contemporain africain.

Edwige est une photographe-plasticienne française née en 1975. Elle a travaillé pour le cirque, la danse et le théâtre en tant qu’interprète mais aussi en tant qu’auteur et metteur en scène.
Depuis l’adolescence la photographie a toujours été pour elle une respiration, un jardin secret. Elle suit une formation continue à l’école Nationale de photographie d’Arles pour pousser plus loin une pratique qui n’était que loisir passionné.
Aujourd’hui, cet art prend toute sa place, tout son sens et elle décide de donner a voir ce que son oeil voit. Elle attrape, capture des Instants pris sur le vif au hasard de ses pas foulés… perception visible de l’invisible comme un écho subjectif des terres qui l’accueillent.
Elle pose son regard de photographe humainement et avec douceur, elle se délecte à observer la vie dans ses moindre détails; elle aime mettre en lumière ces moments particuliers et exceptionnels. Elle aime capturer la beauté de ces instants fugaces dans sa série : PRISME.

« Au départ, mon projet photographique émerge d’une rencontre intime avec le peuple et le pays du Sénégal. J’ai choisi de me placer dans une posture dénuée de tout ethnocentrisme, cherchant à observer et à m’approprier cette culture vibrante. Mon désir était d’établir des liens authentiques, de sortir de ma zone de confort, de me dévoiler et d’apprendre.

Au fil de mes différents passages, j’ai généré des images, un kaléidoscope d’expériences s’étalant sur quatre années. Avec du recul, j’ai entrepris un travail de superposition, mettant en lumière les émotions et les expériences qui m’ont traversé.  Dans ce contexte, la photographie ne se limite pas à immortaliser un instant ; elle réinvente cette réalité. Chaque œuvre devient un miroir déformant, confrontant le spectateur à ses propres perceptions et croyances.

En invitant les observateurs à entrer dans cet univers métamorphosé, la photographie ouvre un espace de réflexion sur la manière dont chacun interprète le monde qui l’entoure. Elle redéfinit l’acte de voir, suggérant que notre perception n’est qu’une facette d’une vérité plus complexe, nous incitant à aller au-delà de la surface et à embrasser la richesse des échanges humains.

Si la photographie fixe un matériel instantané, montrant l’enveloppe corporelle, elle évoque également la présence invisible de l’esprit. Ce dernier, bien que non palpable, infuse à chaque image de sensations profondément inexprimables. 

Par mes photographies, je crée un espace où chaque existence est honorée et perpétuée, une lutte contre l’oubli, ou l’objectif dépasse le simple acte de capturer ; il établit une connexion authentique à l’instant vécu et aux émotions qui en découlent. Ces images semblent non seulement immortaliser les vivants, mais également raviver les souvenirs des disparus. 

Cette série est bien plus qu’un simple projet photographique ; elle se veut le témoignage d’une existence, ancrée à la fois dans le temps et l’espace. Elle invite chacun à réfléchir sur les liens qui nous unissent, sur la manière dont nous interagissons avec ceux qui nous entourent et sur la manière dont nous portons les histoires des autres en nous. »

Née en 1997, Mariam NIARÉ, passionnée par l’art depuis son enfance (son père était peintre) commence la pratique du dessin et de la photographie dès son plus jeune âge. Elle poursuit sa passion en entrant au Conservatoire Des Arts Métiers Multimédia Balla Fasséké Kouyaté. Des études qui lui permettent de suivre plusieurs workshops dont le plus marquant fut, pour elle, celui animé par Hector Mediavilla, qui aboutira à une exposition collective dans le cadre du OFF de la 11ème édition de la Biennale de la  photographie – Les Rencontres de Bamako.  

Par la suite elle participe à de nombreux ateliers de photographie, parmi lesquels ont peut citer ceux encadrés par Jean-Michel Fickinger, Aziz Aissaoui, Houda Ghorbel, Aymen Gharbi. Pour parfaire sa pratique, elle intègre le Collectif Yamarou Photo, grâce auquel elle suit des formations en photographie documentaire, conceptuelle et artistique, dont les plus récentes furent celles animées par Buyaphie Mdledle, Thandile Zwelibanzi et Jabulani Dhlamini. Mariam Niaré est également membre du Collectif Sanou’Art et de l’Association des femmes photographes.

Ces expériences l’ont conduite à explorer de nouveaux univers de la photographie et à participer à plusieurs expositions phares au Mali, notamment à la première édition de Ségou’Art, la résidence et exposition “Quartier libre” organisée par Siif’Art, “60 ART Independence” organisée au Musée National et à la Galerie Médina. Suite à un appel à la co-création impulsé par Lagos PhotoFestival 2020, elle expose également dans le cadre du Digital Home Museum aux côtés d’une centaine d’artistes du continent et de la diaspora.

Révélation de la deuxième édition de l’Inter Biennale avec sa série sur les personnes atteintes d’albinisme, Mariam Niaré vient de recevoir la 2nde place au “Grand prix de la Fondation du Festival sur le Niger” avec sa série de intitulée “Piégé par mon suceur”. Selon les mots du commissaire d’exposition et critique d’art Simon Njami, “la jeune artiste prouve que la photographie n’est pas seulement une reproduction du réel, mais peut être le fruit d’une construction et d’une mise en scène.

Il ne pèse presque rien, Il se disperse facilement, il se décompose très lentement mais surement. Ce plastique, ces déchets plastiques, intentionnels ou pas, emportés par le vent ou la pluie encombrent le milieu naturel avec un impact sur la faune et la flore. Ils génèrent aussi de la pollution lorsqu’on les brule.
Mariam NIARÉ, victime dans sa chair de la pollution de l’air dénonce à travers son esthétisme féérique un passage sombre de sa vie.
Mana met en scène des corps en mouvement, visible, invisible, intouchable, touchable, qui existe sans exister. Les couleurs fortes et chaudes nous montre le danger que nous encourons.
Consciente de l’urgence environnementale, Mariam nous alerte sur l’état actuel de la planète.
Cette série qui traite de la matérialité nous offre à réfléchir sur nos modes de consommation, mais aussi sert à diffuser un message anti-gaspillage et à mettre l’environnement au premier plan des préoccupations.

Le masque tient une place importante dans les sociétés africaines. Il est l’intermédiaire entre le monde des vivants et celui des ancêtres, il peut également jouer un rôle d’initiation, de juge ou simplement de distraction.

Khalifa Mané est un artiste sénégalais né en Casamance en 1998. Il se forme dans l’atelier du peintre français LeGuenne avant de quitter l’École des Beaux-Arts de Dakar, refusant les cadres académiques pour tracer une voie libre et engagée. Son œuvre questionne les paradoxes d’un continent riche mais laissé-pour-compte, et donne voix à une jeunesse africaine désabusée, tiraillée entre désillusion et soif de changement.
À travers ses peintures, Khalifa pose des questions percutantes sur l’injustice sociale, la mauvaise gouvernance, et le néocolonialisme. Marqué par les manifestations de mars 2021 au Sénégal, il entame la série Revolt, où il mêle autoportraits, collages de presse et symboles forts. Sa série Carton rouge, exposée lors du Off de la Biennale de Dakar en 2024, dénonce avec force l’inaction des élites face aux aspirations populaires.
Khalifa Mané est un artiste libre, résolument anticonformiste, dont l’art devient un espace de subversion. Il incarne une génération qui n’attend plus de permission pour dire sa vérité. Avec une écriture plastique expressive, il peint les blessures de son époque et en fait une œuvre nécessaire, politique, profondément humaine.

Christophe RONEL est né en 1964 à Rouen. Il est un artiste peintre français dont l’œuvre foisonnante reflète un mélange unique de passion, d’exploration et d’imagination. Sa vocation précoce pour la peinture a été influencée par son père, lui-même artiste, et il a poursuivi ses études en arts plastiques, obtenant une agrégation dans ce domaine. Depuis 1990, RONEL partage son expertise en enseignant à l’École Nationale Supérieure des Arts Appliqués et Métiers d’Arts (ENSAAMA) Olivier de Serres à Paris.

Son influence artistique s’étend sur plusieurs décennies, avec plus d’une centaine d’expositions personnelles tant en France qu’à l’étranger. Il a reçu de nombreux prix prestigieux tout au long de sa carrière, dont le prix de la Marine Nationale au Salon de la Marine en 1985, la médaille d’or au Salon des Artistes Français en 1993, et le grand prix du Salon d’Automne de Paris en 1998, ainsi que le prix Rugale Michailov de la Fondation Taylor en 2004. Ses œuvres sont présentes dans des collections publiques et privées à travers le monde, témoignant de l’ampleur internationale de son impact artistique.

RONEL est actuellement représenté par plusieurs galeries en France et à l’étranger, et il poursuit sa carrière artistique avec des collaborations graphiques, des publications de monographies, des albums de voyages et des projets artistiques variés.

Son univers artistique est métissé et humaniste, inspiré par ses nombreux voyages à travers le monde. Ses peintures, souvent qualifiées de « figuration syncrétique », invitent le spectateur à un voyage visuel et émotionnel où se mêlent réalité et imagination. RONEL transgresse les impressions recueillies pour créer des œuvres qui sont à la fois des témoignages et des créations, révélant un monde riche en couleurs, en saveurs et en histoires. Son travail se nourrit autant du réel que de l’imaginaire, et il offre aux spectateurs une expérience captivante et jubilatoire, où se rencontrent rêves et souvenirs dans un tourbillon de formes et de couleurs.

La statue est souvent représentée en Afrique. Elle peut jouer un rôle de fétiche, de remplacement d’un défunt ou d’un jumeau. Elle peut être communautaire, familiale ou personnelle. Sculptée par le forgeron sous la direction du requérant, il met en avant son art créatif tout en respectant certaines règles bien établies.

Nina B. est une céramiste thaïlandaise vivant à Ngaparou, au Sénégal.
Inspirées par son pays d’adoption, ses voyages et son héritage thaïlandais, ses créations sont un mélange vibrant de cultures et d’expériences.
En utilisant des ressources locales telles que l’argile et la cendre, elle s’est lancée dans des expériences sans fin, mêlant traditions anciennes et techniques innovantes.

Dans sa série « Fish and Ships », Elle mélange de l’argile sénégalaise, transformée en céramique, avec des morceaux de pirogue échoués, mettant ainsi en lumière une économie en détresse.
Ce choix artistique poignant reflète non seulement le lien profond entre la terre et la mer, mais souligne également les défis auxquels sont confrontées les communautés locales qui dépendent de la pêche et des activités maritimes.
En incorporant des éléments provenant des environnements terrestres et marins, son travail constitue un commentaire puissant sur la fragilité de l’écosystème et les luttes socio-économiques découlant de la dégradation de l’environnement et de la surexploitation des ressources halieutiques. L’utilisation de céramiques fabriquées à partir d’argile locale symbolise le patrimoine culturel et la résilience, tandis que les vestiges des bateaux évoquent le déclin d’une industrie vitale.
Ensemble, ces éléments créent un récit convaincant sur la perte, la survie et le besoin urgent de pratiques durables face aux difficultés économiques.

Dans cette série « Adinkra masks », Nina B. propose une interprétation personnelle et contemporaine du masque, inspirée des symboles Adinkra d’Afrique de l’Ouest. Loin de la reproduction ethnographique, ces formes allongées en céramique deviennent des surfaces de signes, où motifs géométriques, empreintes organiques et éléments symboliques dialoguent librement.
Chaque pièce développe son propre langage : accumulation de cercles, motifs solaires, signes abstraits ou évocations du vivant. Ces compositions évoquent à la fois la mémoire, la transmission et les systèmes de pensée, dans une écriture visuelle intuitive.
Le travail de la matière — argile locale, cendres, émaux — confère aux œuvres une présence presque minérale, entre archaïsme et modernité. L’artiste joue avec les textures, les reliefs et les accidents de cuisson pour créer des surfaces vibrantes, chargées de sens et d’histoire.

Jean-Baptiste Joire est un artiste français né en 1982 dont la pratique se déploie dans les techniques photographiques numériques et la vidéo. Diplômé d’un master 1 de cinéma à l’Université Paris X Nanterre, il a également reçu une formation professionnalisante de deux ans en techniques vidéo et lumière au CCOF à l’université d’Orsay. Installé au Sénégal depuis plus de dix ans, il réalise sur le continent de nombreuses collaborations avec les artistes dont il est le contemporain pour en révéler la richesse et l’énergie. Pour lui, pratiquer la photographie est une formidable excuse pour rencontrer ceux qui n’auraient jamais dû, en principe, croiser sa route.

2 au 21 juillet 2018, se tenait la troisième édition du Festival KinAct au Congo-Kinshasa. Intitulé Lelo Lobi, le festival qui se veut un rassemblement international d’artistes performeurs, se tenait majoritairement dans la rue. Le festival proposaient également le matin des ateliers destinés aux plus jeunes quand l’après-midi (voir le soir) étaient dédiés à la déambulation des performeurs. En dépit de la situation sécuritaire et politique du pays, de nombreux sujets tels l’exploitation du coltan, les traitements médicaux, les déchets étaient mis en avant par les artistes. La question « pourquoi ils font ça » fut certainement la plus répandue parmi les passants qui les sollicitaient pour comprendre le sens de ce qui se passait face à eux.

En 2012 à Dakar, l’association Les Petites Pierres crée “Interférence”, un festival international et pluridisciplinaire de performances dans l’espace public, qui entend contribuer à faire de l’Art dans la cité un vecteur de citoyenneté. Interférence invite des artistes locaux, africains et internationaux, à porter un nouveau regard sur la ville, à l’explorer comme terrain d’interventions artistiques originales et inattendues. Au-delà des territoires habituels du monde de l’art, Interférence invite à une expérimentation de la Ville comme espace de création et de réinvention du vivre ensemble.

Bassirou Fall est un artiste sénégalais né en 1994 à Saint-Louis. Issu d’une lignée de réparateurs de vélos, il a développé au fil des ans un lien profond avec la mécanique et les matières premières. Regarder son père Meissa Fall démonter, découper et transformer des vélos en sculptures est pour lui une source d’inspiration. Il ne s’agit plus d’objets du quotidien abandonnés par l’usure, mais d’œuvres d’art témoignant d’un engagement social et environnemental. Entre rigueur mécanique et sensibilité artistique, Bassirou Fall aborde des questions d’actualité telles que l’immigration clandestine, le réchauffement climatique et, plus largement, les enjeux sociaux de son époque. En explorant les méandres de l’âme humaine et en révélant la fragilité de l’environnement qui l’entoure, Bassirou souhaite sensibiliser. Ainsi, l’œuvre de Bassirou Fall est le fruit d’un héritage familial et d’explorations personnelles qu’il souhaite transmettre à travers son travail artistique.

Pour l’exposition L’Âme sensible, présentée au Chaos, Bassirou Fall crée un espace de résonance entre le visible et l’invisible.

Au centre de l’exposition, une grande tenture en écorce de Farra, matière portée par les Kankouran lors des rites d’initiation au Sénégal, s’impose comme une présence sacrée. Intitulée “To shed” – jeter -, elle évoque le rite de purification, le passage d’un état à un autre, le geste de se délester de tout ce qui est mauvais pour renaître. Autour d’elle, des morceaux de métal suspendus comme des pendentifs flottent dans l’espace, tels des talismans suspendus entre ciel et terre.

En vis-à-vis, de légers tissus de malicanne ondulent sous la lumière. Leur transparence agit comme un contrepoint à la densité du bois et du métal : ils filtrent la clarté, adoucissent les ombres, et instaurent un climat de douceur au cœur du chaos. Cette respiration visuelle, presque musicale, traduit la tension entre ancrage et élévation, entre la blessure du réel et la promesse de guérison.

Ainsi, dans L’Âme sensible, Bassirou Fall fait de la matière un langage de l’émotion. Le chaos devient origine, la fragilité retrouve sa dignité, et chaque fragment – bois, fer, tissu, lumière – s’unit pour dire l’essentiel : que créer, c’est encore et toujours réparer le monde.

( Éthiopie — né en 1983, vit et travaille à Addis Abeba )

Diplômé en Marketing du National College et titulaire d’un Bachelor of Fine Arts de l’Université d’Addis Ababa, Kirubel Melke développe un travail textile nourri par son enfance, marquée par le métier de sa mère dans une usine de confection.

Il assemble des vêtements de seconde main sur toile, offrant une nouvelle vie aux tissus et interrogeant leur portée symbolique. Pour lui, le vêtement est une extension de l’identité : il raconte l’histoire d’un individu, d’une société, d’une nation.

Ses oeuvres abordent la mondialisation, les transformations culturelles, la justice économique et le rapport entre tradition et modernité dans l’Éthiopie contemporaine. À travers des compositions abstraites ou figuratives, il questionne les tensions entre héritage et influences globales.

L’art de la sculpture en bronze se confond quelque part avec l’histoire de la famille Diop. Ce savoir-faire familial transmis du grand père aux petits fils est devenu une signature célèbre et reconnue dans le monde. Initié par Cheikh Maknone Diop, natif de Diourbel, l’art du travail de la fonte a été transmis à son fils Issa, puis petits fils, neveux et frères autour des Ateliers Makhone Diop et Fils. Le premier président sénégalais Léopold Sédar Senghor en avait fait son sculpteur attitré et lui commandait une bonne partie des cadeaux que le Sénégal se devait offrir à ses hôtes. Vitrine de la créativité tradi-moderne sénégalaise en matière de sculpture, le label Makhone Diop et Fils véhicule l’image de la culture et de l’histoire du pays de la téranga à travers des œuvres originales.

BOGOKÉ, est un projet né au Burkina Faso depuis 2021, fondé par la photographe et dessinatrice KEKE en collaboration avec l’association BAOBAB.

Réflexions actives sur les déchets qui nous entourent, sur l’environnement dans lequel nous vivons, il interroge les esprits sur nos gestes de consommation quotidien, ainsi que notre lien entre déchets matériels et déchets émotionnelles à travers les arts visuels et l’artisanat.

• La photographie, le dessin, la vidéo, nous permettent de parler toutes les langues. Elles viennent travailler le regard, porter l’attention pour inviter à l’intention.
• L’artisanat, racine et gardien des cultures, devient pilier de métamorphose à nos excès. C’est une proposition de gestion des déchets, en rapport avec l’environnement économique et culturel.

« L’image est là pour montrer les problématiques et imaginer un futur commun qu’il nous faut créer pour passer de l’un à l’autre.» KEKE

Née à Saint-Louis du Sénégal en 1953, ce professeur d’éducation artistique est également titulaire d’une licence en lettres Modernes de l’université Cheikh Anta Diop. Anta Germaine Gaye est peintre, sculptrice et enseignante. Ses thèmes de prédilection sont l’esthétique chez la femme et des natures de type impressionniste.

Son approche artistique a révolutionné les codes de la peinture sous verre appelé SUWEER au Sénégal. Son atelier FER et VERRE est un espace de recherche et de transmission de compétences.

Son œuvre et son engagement lui ont valu d’être décorée Chevalier de l’ordre du Mérite en 1999 par le Président de la République de son pays. La XV° biennale de l’art contemporain africain de Dakar (édition de 2024) lui rend un vibrant hommage.

El Hadji Sy (ou El Sy) est un peintre sénégalais né en 1954, scénographe, commissaire et artiste activiste..
Figure majeure d’Afrique de l’Ouest après les indépendances, il est rattaché à la deuxième génération issue de l’Ecole de Dakar, mais il préféra donner un « coup de pied » à ce legs en commençant par peindre avec ses pieds et redonna sa place au corps dans la peinture.
Dès sa sortie des Beaux-Arts de Dakar en 1977, il défie la politique culturelle de l’état et l’idéologie de la négritude. Il reçoit néanmoins le soutien et l’admiration du président Léopold Sédar Senghor avec lequel il ne cessera de dialoguer et de se confronter.
Avec Issa Samb (Joe Ouakam), il est le cofondateur du mouvement « Agit Art ». Au milieu des années 1980, il expérimente de nouveaux matériaux, utilisant de rugueux sacs de riz en toile de jute dont il apprécie la texture poreuse et sur lesquels il applique parfois du goudron noir et de la cire de bougie. Il se distingue aussi par la taille de ses compositions.
L’artiste de renommée internationale a reçu de nombreux prix. Premier commissaire d’exposition noir à collaborer avec un musée européen dans les années 80, il expose dans les plus grandes manifestations internationales telles que la Documenta de Kassel (2017) ou la Biennale de Sao Paulo (2015).

Prince Galla GNOHITÉ est un artiste ivoirien né en 1989, formé de 2000 à 2004 au Centre Régional des Arts et Métiers d’Abengourou (CRAMA) en Côte d’Ivoire. Prince Galla GNOHITÉ a acquis une maîtrise technique indiscutable de ses sujets, des effets recherchés et obtenus et de la composition de ses œuvres. Il a complété sa formation auprès de l’artiste Youssouf De Kimbirila dit Le Quetzal.
Au-delà de la maîtrise technique, du sujet choisi et de son traitement, se dégage ses œuvres une infinie tendresse, une forme de nostalgie de l’artiste d’une période insouciante et heureuse de sa vie vue à travers le prisme des transpositions.
Les enfants de GNOHITÉ n’ont plus peur, ils s’amusent et profitent des joies de leur âge dans toute la candeur de cette époque bénie de la vie, toute d’insouciance et de joies, malgré la laideur du monde qui nous entoure et qu’ils ne perçoivent pas (trop). L’artiste insiste sur la préservation de ce bonheur, de cet épanouissement en faisant référence à l’éducation, à la préparation des adultes de demain.
Dans un tourbillon de grands aplats de couleurs primaires et saturées (bleues et jaunes, principalement) dont le caractère ludique est renforcé par une myriade de points et petits cercles de couleur, les personnages principaux sont esquissés, suggérés, schématisés et si parfaitement reconnaissables pour qui a déjà vu des enfants jouer dans le soleil et la poussière d’Afrique.

El Hadji MBOUP est sculpteur et peintre sénégalais né en 1950. A la fin de sa formation en 1985 à l’Institut d’Etat Soviétique Sourikov de Moscou, il est mentionné sur son diplôme: « Master of fine arts » en sculpture monumentale. Il est également diplômé de l’Institut National des Arts de Dakar (1971-1974) dans la division sculpture. En peinture, ce qui frappe d’emblée dans l’art de Elhadji Mboup, ce sont les formes plastiques; elles sont lires au point de donner l’impression de tomber, de se pencher, de s’incliner. Formes libres et fantaisistes, audacieuses et légères, voire aériennes. En outre, ses personnages se présentent toujours dans des vêtements amples; de tels vêtements introduisent en fait le mouvement et la vie.

Yves Gusella (né en 1947) est un artiste peintre franco-italien installé au Sénégal depuis 2011. Après une carrière en Europe, il réalise son rêve d’enfant en intégrant l’École des Beaux-Arts de Grenoble à l’âge de 50 ans, entamant ainsi une nouvelle carrière artistique.
Dès son arrivée au Sénégal, il est profondément marqué par la lumière, les couleurs et la vitalité du pays. Il s’inspire des scènes de la vie quotidienne, de la pêche, de l’élégance des femmes et de l’agitation permanente pour créer des œuvres vibrantes. Son style post-impressionniste, caractérisé par l’utilisation de la peinture à l’huile appliquée au couteau, capture l’essence de son environnement d’adoption. Cette technique l’affranchit de certains détails comme cherchant surtout à émouvoir, en plus de vouloir jouer avec nos imaginaires
Yves Gusella a participé à plusieurs expositions au Sénégal, notamment « J’habite ici » en 2016, où il exprime son attachement au pays, et « Un jardin extraordinaire » lors du Partcours 2022 à la Galerie Arte, explorant le thème de la végétation aux côtés d’autres artistes.
En plus de son activité artistique, il a enseigné les arts plastiques dans une école publique sénégalaise pendant cinq ans avant de se consacrer pleinement à sa passion. À travers ses œuvres, Yves Gusella rend hommage à son pays d’adoption, témoignant de l’aspect positif et en devenir du Sénégal.

Bouna Medoune Seye (1956_2017) est une figure incontournable de l’art contemporain sénégalais, dont le parcours est profondément marqué par sa proximité avec le Laboratoire Agit’Art, mouvement révolutionnaire fondé dans les années 1970 par Issa Samb (Joe Ouakam), El Hadj Sy et d’autres artistes radicaux à Dakar.

Ce collectif prônait la liberté d’expression, le décloisonnement des disciplines et un art en rupture avec l’académisme.

Bouna Seye s’est toujours revendiqué « Joeïste », affirmant : « Je ne suis pas l’élève de Joe, il est mon gourou. » Son approche artistique, transdisciplinaire et profondément libre, porte l’empreinte directe de cette filiation. Il évolue dans l’esprit du Laboratoire Agit’Art, défendant une esthétique de la spontanéité, du détournement et de l’engagement social.

Dans ses dernières années, Bouna Medoune Seye s’oriente résolument vers la peinture. Il développe une série de portraits expressifs et symboliques, notamment en hommage à Joe Ouakam. Ces oeuvres sont marquées par une liberté chromatique totale, une gestuelle vive, et un langage visuel proche de l’art brut. À travers ces visages, souvent fragmentés, flous ou spectralement déformés, Seye convoque la mémoire, l’héritage et l’énergie visionnaire du Laboratoire.

Exposés à la 12e Biennale de Dakar (Dak’Art 2016), ces portraits ont été salués pour leur puissance poétique, leur étrangeté assumée et leur charge affective. Ils prolongent l’esprit du Laboratoire Agit’Art tout en affirmant une voix personnelle, nourrie de cinéma, de photographie, et d’un profond ancrage urbain.

Bouna Medoune Seye laisse une oeuvre difficile à classer, volontairement en marge des circuits officiels. Artiste de l’underground, il fut aussi réalisateur (Bandit Cinéma, Saï Saï By), directeur artistique pour Youssou N’Dour ou le film Ramata, et photographe autodidacte. Il repose aujourd’hui à Ouakam, non loin de Joe Ouakam, dans cette terre dakaroise qui fut à la fois sa scène, sa matière et son souffle.

Né en 1982 à Albadar, dans la région de la Basse-Casamance au Sénégal, Tairou Bodian appartient à cette génération d’artistes qui renouvellent la peinture contemporaine africaine en y inscrivant la vie quotidienne et le mouvement collectif. Diplômé de l’École nationale des Beaux-Arts de Dakar, il s’y distingue dès 2006 en recevant un « prix spécial de coloriste ». Depuis, son travail s’est imposé sur la scène artistique sénégalaise et internationale, notamment à travers ses expositions à la Galerie Antenna à Dakar, en Belgique et en France. Fidèle à ses origines, l’artiste puise dans l’énergie de la rue, du marché, du rivage ou des foules africaines la matière de ses compositions, tout en développant un langage pictural universel, où la couleur devient mémoire et vibration.

Son style, immédiatement reconnaissable, repose sur une maîtrise expressive du couteau et une palette éclatante, saturée de rouges, d’ocres, de bleus et d’oranges. Bodian construit ses scènes à partir de silhouettes stylisées, souvent anonymes, qui se fondent dans la matière et la lumière. Ces personnages, qu’ils soient pêcheurs, marchands ou passants, incarnent une humanité collective en perpétuel mouvement. Entre figuration et abstraction, l’artiste privilégie la dynamique du groupe, le rythme des corps et des gestes, l’harmonie des teintes. Dans L’arrivée des pêcheurs, Les Masaï ou Une partie du marché, la peinture devient célébration : celle du travail, du lien social et de la beauté simple du quotidien africain. Par sa touche à la fois libre et rigoureuse, Tairou Bodian s’affirme comme un coloriste majeur de la scène contemporaine sénégalaise.

Mansour Ciss a étudié de 1973 à 1977 à l’Institut National des Arts du Sénégal. À Dakar, il sculpte le bois, de grandes sculptures aux formes cubistes, dont certaines ont fait partie de la collection du président Senghor. Depuis 1993, il vit à Berlin. C’est dans la capitale allemande que son travail prend une tournure plus engagée et plus politique. C’est en effet dans cette ville que s’est tenue la conférence de Berlin, lors de laquelle les puissances coloniales se sont partagées l’Afrique en 1884-1885. En 2000, Mansour Ciss crée le Laboratoire de déberlinisation avec Baruch Gottlieb puis avec Christian Hanussek. Il s’agit d’un laboratoire d’idées, une sorte de plateforme artistique pour repenser l’histoire coloniale et le continent africain. Concrètement, Mansour Ciss Kanakassy a choisi un support original pour dessiner l’Afrique de demain : il a crée une monnaie – l’afro – la monnaie unique africaine. Une monnaie imaginaire, symbole de l’unification des pays africains.

Cherif Thiam est un artiste peintre sénégalais né à Louga (SN) en 1951. Formé à l’École nationale des arts de Dakar dans les années 1970, il fait partie de cette génération d’artistes qui ont émergé dans le sillage de l’indépendance du Sénégal et de la politique culturelle ambitieuse menée par le président Léopold Sédar Senghor. Thiam est souvent associé à l’École de Dakar, un mouvement artistique qui prônait l’affirmation d’une identité culturelle africaine moderne, nourrie par les valeurs traditionnelles. Influencé par les idéaux de la négritude et par la volonté de redonner à l’art africain une place centrale dans la société, Chérif Thiam s’est inscrit dans cette dynamique collective qui liait création artistique, recherche identitaire et engagement social.
L’œuvre de Cherif Thiam se distingue par sa richesse chromatique, sa gestuelle libre et une approche narrative souvent symbolique. Il développe un style expressif, parfois proche de l’abstraction, où la figure humaine, les rites, les masques et les scènes de la vie quotidienne occupent une place centrale. Ses toiles racontent une Afrique vibrante, en mutation, entre mémoire et modernité. Son travail témoigne d’une grande maîtrise de la matière et d’une sensibilité profonde aux rythmes visuels et à la spiritualité. Peintre engagé, Cherif Thiam utilise aussi son art comme un moyen de transmission et de dialogue, donnant à voir une vision personnelle et poétique de la société sénégalaise.

Gérard Gabayen, né en 1975 à Mbour au Sénégal, vit et travaille entre Dakar et sa ville natale. Formé à l’École Nationale des Beaux-Arts de Dakar à la fin des années 1990, il a rapidement choisi de s’affranchir des cadres académiques pour développer une démarche singulière, nourrie par son environnement immédiat et les grandes questions contemporaines.
Son travail oscille entre abstraction et figuration, toujours marqué par une intensité expressive. Les lignes dynamiques, les contrastes de couleurs et les formes en mouvement donnent à ses œuvres une énergie particulière, où le regard du spectateur est invité à chercher des échos intérieurs plutôt qu’un récit figé. À travers ses peintures abstraites, l’artiste aborde des thèmes universels, tels que l’écologie et la protection de l’environnement, interrogeant la relation fragile entre l’homme et la nature.
Ses œuvres ont été exposées tant au Sénégal qu’à l’étranger, de Dakar à Bruxelles, Berlin, Rabat ou encore Paris. Sa dernière grande exposition personnelle, For All, présentée à la Maison d’Afrique à Saly en 2025, illustre cette volonté d’ouvrir son travail à un dialogue élargi, accessible à tous et porteur de questionnements universels.
Inscrit dans la scène de l’art contemporain africain, Gérard Gabayen poursuit son travail entre héritage local et préoccupations globales. Ses toiles traduisent les tensions, les équilibres et les fragilités de la condition humaine face au monde naturel, inscrivant son œuvre dans une recherche qui dépasse les frontières et parle à chacun.

Artiste franco-sénégalaise née en 1992, Roxane Depardieu construit une œuvre foisonnante où se croisent mythes, folklore et symboles universels. Formée au California Institute of the Arts, elle développe une pratique en techniques mixtes qui lui permet d’explorer les cycles de la nature, les forces primordiales et les paysages intérieurs du vivant. Son univers, habité par le soleil, la lune et les étoiles, oscille entre monde physique et dimension métaphysique, comme un recueil des récits fondateurs de l’humanité.

Son parcours, marqué par de nombreuses expositions en France, en Europe, aux États-Unis et en Afrique, témoigne d’une recherche constante : relier l’homme à ses racines, à la Terre et à ce qui, en elle, continue de parler à l’invisible.

Pour sa carte blanche à l’Espace Chaotique, Roxane Depardieu présente un ensemble d’œuvres d’une intensité rare, issues d’une phase de création profondément introspective. Ces toiles, traversées par l’ombre et la lumière, révèlent un univers plus secret, où la matière semble vibrer au rythme d’émotions enfouies. Les formes, parfois proches de tests de Rorschach, laissent émerger visages, silhouettes et forces archaïques, comme autant de miroirs de la psyché.

Dans cette série, l’artiste explore les zones intérieures de l’être, là où se mêlent la fragilité et la puissance, la perte et la résilience.
C’est une œuvre de passage, une traversée silencieuse, où la peinture devient un langage de guérison et de renaissance.

  Panthère Carmin : Technique mixte sur bois, Haut. : 43 cm – Larg. : 58 cm

  Technique mixte sur papier , Haut. : 48 cm – Larg. : 30 cm

  Runnn Outta There : Technique mixte sur papier, Haut. : 49 cm – Larg. : 64 cm

  There’s Monster under my bed : Technique mixte sur papier, Haut. : 49 cm – Larg. : 64 cm

  Diola : Technique mixte sur bois, Haut. : 53 cm – Larg. : 52 cm

Baobab sacré : Technique mixte sur bois, Haut. : 53 cm – Larg. : 52 cm

  Go Gaindé : Encre de chine et pastel gras sur papier, Haut. : 41 cm – Larg. : 29 cm

  Glamourous Goat Inventing Ivory : Pastel sur papier noir, Haut. : 29 cm – Larg. : 41 cm

  Spirit of the Elephant, Elewut : Technique mixte sur papier, Haut. : 29 cm – Larg. : 21 cm

  Encre sur papier, Haut. : 70 cm – Larg. : 53 cm

  Crakked out Crokk, Technique mixte sur bois, Haut. : 25 cm – Larg. : 33 cm

Pastel gras et encre sur papier, Haut. : 150 cm – Larg. : 60 cm

Né en 1975 à Yaoundé au Cameroun, Jean Faustin AMOUGOU, alias MANFAUST, est une figure majeure de la scène artistique contemporaine camerounaise et africaine. Formé d’abord au Centre de Recherche sur la Dynamique de l’Histoire Culturelle et Artistique des Peuples de l’Afrique Centrale (CERDHICAPAC), il poursuit ses études à la prestigieuse China Academy of Art à Hangzhou, où il obtient un master en art public (sculpture monumentale). Enseignant de sculpture à l’Université de Yaoundé I pendant près d’une décennie, il transmet autant qu’il crée, toujours à la croisée du geste artisanal, de la recherche plastique et d’un engagement socioculturel profond.
MANFAUST développe depuis plus de vingt-cinq ans une œuvre singulière, foisonnante, profondément intuitive, à la frontière du figuratif et de l’abstraction. Sa pratique repose sur une fusion de matériaux – bois, pierre, plastique, lave volcanique, plexiglas – dans un processus de recyclage et de réincarnation. Ce syncrétisme, nourri par ses racines africaines et ses nombreuses résidences à l’international (Liban, Chine, Maroc, Canada, Burkina Faso, etc.), lui permet de créer un langage plastique propre, porteur d’une vision universelle et nomade.
Médaillé de bronze aux Jeux de la Francophonie à Beyrouth (2009), exposé à la Biennale de Dakar OFF (2018), au Forum Mondial de l’Économie Sociale à Dakar (2023) ou encore à Morges, Hangzhou et Louga, MANFAUST est aussi un acteur culturel reconnu : directeur artistique du PFAC, président de l’association culturelle Étoak Oyem, et coordonnateur international du pôle art contemporain du FIRBA.
MANFAUST conçoit l’art comme un vecteur de communication entre les cultures et les générations. À travers ses œuvres, il interroge les identités multiples, le poids de la mémoire culturelle, et la vitalité de la matière. Une démarche où la pensée se fait sculpture, et la matière, poésie.

Brainstorming : Technique mixte sur bois, Haut. : 79 cm – Larg. : 142 cm

Globalistation : Technique mixte sur bois, Haut. : 79 cm – Larg. : 142 cm

Passerelle : Technique mixte sur bois, Haut. : 79 cm – Larg. : 142 cm

L’arbre de vie : Technique mixte sur bois, Haut. : 79 cm – Larg. : 142 cm

Fleurs de vie 1 : Caoutchouc, 50 x 50 cm

Fleurs de vie 2 : Caoutchouc, 50 x 50 cm

Fleurs de vie 3 : Caoutchouc, 50 x 50 cm

Andy : Caoutchouc, 50 x 50 cm

Né en 1981 à Kaffrine, au Sénégal, Daouda Ba manifeste très tôt une sensibilité artistique singulière. Dès l’école maternelle, il se passionne pour le dessin et le collage, une pratique qui deviendra la marque de son langage plastique. Autodidacte, il s’imprègne du quotidien, des contrastes urbains et de l’environnement social qui l’entoure. Son engagement pour la préservation de l’environnement et son regard critique sur les inégalités sociales nourrissent une œuvre profondément ancrée dans la réalité contemporaine africaine. Membre de l’association AM’Art, il participe à des initiatives artistiques luttant contre les injustices sociales et valorisant la créativité locale. Son travail est aujourd’hui reconnu et présent dans plusieurs collections prestigieuses, notamment la collection Eiffage Sénégal (Sunu Dekk, 2022) et la Fondation Blachère (France).

Le style de Daouda Ba se distingue par une esthétique du recyclage et de la reconstruction. À travers une technique minutieuse de collage et de peinture sur bois réalisé sur des plaques de cagettes de fruits et légumes, il explore la matérialité des rebuts et leur potentiel poétique. L’artiste assemble cartons, papiers d’emballage, affiches ou fragments d’étiquettes, qu’il agence dans des compositions architecturales vibrantes de couleurs. Ses tableaux, de petit format, révèlent des paysages urbains où cohabitent les quartiers populaires et les immeubles modernes, évoquant la fracture sociale et les paradoxes du développement.

Dans ces œuvres, l’œil du spectateur est attiré par la juxtaposition entre la précarité des matériaux et la rigueur de la construction visuelle. Le carton ondulé devient toiture, la typographie industrielle se mue en signal visuel, les surfaces abîmées deviennent matière picturale. Ce dialogue entre récupération et création traduit une vision lucide du monde urbain africain : un espace en mutation, oscillant entre espoir et désordre.

Daouda Ba appartient à une génération d’artistes sénégalais pour qui l’art est un moyen d’observer, de questionner et de réparer symboliquement la société. En magnifiant les matériaux rejetés, il fait émerger la beauté là où le regard ne voyait que déchet — un acte à la fois esthétique et politique.

Désordre Urbain I : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain II : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain III : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain IV : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain V : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain VI : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain VII : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain VIII : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain IX : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain X : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Désordre Urbain XI : Technique mixte sur bois, Haut. : 21 cm – larg. : 27 cm

Catheris Mondombo est né en 1992 à Kinshasa en République Démocratique du Congo, ex Zaïre. Il développe une œuvre singulière en travaillant sur un support inattendu : les bâches usagées. Matériau du quotidien, souvent abîmé, troué ou déchiré, la bâche devient sous ses mains un espace de création mais aussi de réflexion. Avant même de peindre, l’artiste engage un acte conceptuel fort : il répare. Restaurer ces surfaces fatiguées n’est pas seulement un geste plastique, c’est aussi un geste de citoyenneté, une manière d’opposer à l’usure, à l’abandon et à l’oubli une forme de soin et de responsabilité. La réparation devient un langage, un principe qui traverse toute son œuvre.

Cette dimension est particulièrement perceptible dans sa série de portraits. Mondombo y représente des personnes qu’il rencontre dans l’espace urbain, des êtres réels, souvent marqués par des blessures physiques ou des fragilités psychologiques. Sur ses bâches restaurées, il peint leurs visages avec une intensité qui révèle autant leur vulnérabilité que leur force intérieure. Chaque portrait devient une réparation symbolique : l’artiste panse la mémoire de ces individus en réhabilitant leur présence, en les rendant visibles dans un monde qui les néglige souvent.

Sa série Caisse vide d’histoires aborde, quant à elle, la question brûlante de la restitution du patrimoine congolais et africain. L’artiste y évoque l’effacement, le vol, l’exil des objets culturels arrachés à leur contexte d’origine. Les œuvres sont autant de questions ouvertes que des coffres vides, signes d’un héritage dispersé et parfois perdu. Cette réflexion historique s’étend aussi à ses hommages aux travailleurs des mines sous la colonisation. Dans ces compositions, l’Atomium de Bruxelles apparaît comme un symbole ambigu : monument moderniste célébrant le progrès, il se retrouve confronté à l’exploitation du minerai congolais, rappelant les violences économiques et humaines qui ont nourri cette grandeur.

Les œuvres de Mondombo interrogent profondément les thèmes de l’identité et de la résilience. Sa mise en scène est souvent théâtrale, pensée comme un dispositif symbolique qui rejoue ce qui s’est réellement passé. L’artiste cherche à confronter le visiteur, à l’amener face aux réalités historiques et humaines que l’on préfère parfois esquiver. Cette dramaturgie visuelle ne vise pas la dénonciation frontale, mais plutôt une prise de conscience sensible, presque physique.

Dans ses compositions, les coutures apparaissent comme un leitmotiv. Elles recousent les surfaces, mais surtout elles réparent les histoires. Ce fil visible relie les fragments, réunit ce qui a été déchiré, redonne cohérence à ce qui semblait perdu. Chez Mondombo, la réparation n’est jamais un simple geste technique : elle est un acte politique, une éthique du soin, une manière de réécrire la mémoire collective. Par ce travail patient et engagé, l’artiste offre aux bâches comme aux sujets qu’il représente une seconde vie, une dignité retrouvée.

Haut. : 70 cm – larg. : 70 cm

Haut. : 62 cm – larg. : 62 cm

Haut. : 210 cm – larg. : 310 cm

Haut. : 120 cm – Larg. : 128 cm

L’Espace Chaotique de la Galerie Mémoires Africaines : Une Immersion dans la Diversité Artistique.

Au cœur de la Galerie Mémoires Africaines, un projet artistique unique prend vie : l’Espace Chaotique. Ce lieu atypique, encore en travaux, se présente comme un espace brut de béton, un chantier en perpétuelle évolution, qui devient le terrain d’expression d’artistes aux univers singuliers.

Dans cet environnement inachevé, chaque pièce est confiée à un artiste qui dispose d’une liberté totale pour s’approprier l’espace, y accrocher ses œuvres et y insuffler sa vision. Ainsi, chaque porte franchie ouvre sur un monde différent, une ambiance unique, révélant la diversité et la richesse de la création contemporaine.

Loin d’une ligne curatoriale figée, l’Espace Chaotique revendique une approche audacieuse en mettant en lumière un mélange d’artistes aux parcours variés : émergents, confirmés, naïfs ou conceptuels, chacun apportant sa singularité et son médium de prédilection. Peinture, sculpture, photographie, installation… toutes les formes d’expression coexistent et dialoguent dans une effervescence créative.

Ce projet immersif invite les visiteurs à une expérience sensorielle où le chaos apparent se transforme en une mosaïque harmonieuse, témoignage de la vitalité de la création. L’Espace Chaotique est bien plus qu’une exposition : c’est une exploration, une rencontre avec des artistes aux regards pluriels, une invitation à découvrir la beauté du non-fini, de l’expérimentation et de la diversité artistique.